Artists & Presenters — Arts Atlantic Symposium

Maddie Alexander is a trans artist, arts facilitator, and archivist engaging thematics of embodied queer and trans experiences through desire, failure, connection and dissonance. Using sourced materials and personal narratives to explore history, queer representation and analogue to digital techniques, His work undergoes a process of translation that reflects their personal experience of transness; fluctuating and creating through patchwork to make something that feels real and whole. After graduating with a BFA from OCAD University in 2016, he went on to pursue an MFA at NSCAD University where they received The Reznick Family Fund for Student Creativity. Their work has been exhibited internationally including The Khyber Centre for the Arts, RYMD Reykjavik, Xpace Cultural Centre and The Anna Leonowens Gallery. In support of his artwork, they have received grants from the Canada Council for the Arts.

Maddie Alexander est artiste trans, facilitateur d'arts et archiviste, et s'intéresse aux thèmes des expériences queer et trans incarnées à travers le désir, l'échec, la connexion et la dissonance. En utilisant des matériaux d'origine et des récits personnels pour explorer l'histoire, la représentation queer et les techniques analogiques numériques, son travail subit un processus de traduction qui reflète son expérience personnelle de la transidentité, fluctuant et créant à travers un patchwork. l'expérience personnelle de la transidentité, fluctuant et créant à travers le patchwork pour faire quelque chose qui semble réel et entier. Après avoir obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université OCAD en 2016, iel est passé à une maîtrise en beaux-arts à l'Université NSCAD, où il a reçu The Reznick Family Fund for Student Creativity. Ses œuvres ont été exposées à l'échelle internationale, notamment au Khyber Centre for the Arts, au RYMD Reykjavik, au Xpace Cultural Centre et à la Anna Leonowens Gallery. Maddie a reçu des subventions du Conseil des arts du Canada pour soutenir son travail artistique.

Susanne Alexander has worked as a lecturer, journalist, broadcaster, script writer, editor, dramatist, entrepreneur, and public servant. She became a partner in Goose Lane Editions in 1988, after a career with the New Brunswick government in arts program management and policy development, where her work led to the creation of the New Brunswick Arts Board/le Conseil des Arts du Nouveau-Brunswick, the first arm’s length arts funding agency in New Brunswick.
During her tenure at Goose Lane Editions, Susanne first worked as managing editor and was later appointed publisher. In concert with her partners and colleagues, she has participated in the expansion of the publishing program to include a broad range of fiction, poetry, and non-fiction. The list now includes books by Acadian writers in translation, books on art and cultural artifacts (one of the largest collections published in Canada), and an ambitious list of contemporary poetry, fiction, and nonfiction in an print, eBook and audio formats. Goose Lane’s books are now distributed throughout Canada and into the US and the UK, transforming the company from a tiny regional press into one of national significance. In recent years, books published by Goose Lane have won numerous Canadian and international awards, appeared on bestseller lists, and contributed to important conversations about current social issues.
Susanne has served as president of the Atlantic Publishers Marketing Association and Enterprise Fredericton and on the Boards and Executive Committees of the Literary Press Group of Canada, the Cultural Human Resources Council, and the Association of Canadian Publishers, She has also served on juries and advisory committees for the Canada Council of the Arts, the Department of Canadian Heritage, ArtsNB, and the governments of Manitoba, Saskatchewan, and New Brunswick.

Susanne Alexander a travaillé comme conférencière, journaliste, communicatrice, scénariste, rédactrice, dramaturge, entrepreneure et fonctionnaire. Elle est devenue partenaire de Goose Lane Editions en 1988 après une carrière au gouvernement du Nouveau-Brunswick dans la gestion de programmes artistiques et de développement de politiques, où son travail a conduit à la création du New Brunswick Arts Board/le Conseil des Arts du Nouveau-Brunswick, la première agence indépendante de financement des arts au Nouveau-Brunswick.
Au cours de son mandat à Goose Lane Editions, Susanne a d'abord travaillé en tant que rédactrice en chef avant d'être nommée éditrice. De concert avec ses partenaires et collègues, elle a participé à l'expansion du programme de publication pour inclure un large éventail de fiction, de poésie et d'essais. La liste comprend maintenant des livres acadiens en traduction, des livres sur l'art et les artefacts culturels (l'une des plus grandes collections publiées au Canada), ainsi qu'une liste ambitieuse de poésie contemporaine, de fiction et d'essais en version imprimée, en livre électronique et en format audio. Les livres de Goose Lane sont aujourd'hui distribués dans tout le Canada, ainsi qu'aux États-Unis et au Royaume-Uni, ce qui a transformé la petite maison d'édition régionale en une maison d'édition d'envergure nationale. Ces dernières années, les livres publiés par Goose Lane ont remporté de nombreux prix canadiens et internationaux, sont apparus sur les listes de livres à succès et ont contribué à d'importantes conversations sur des questions sociales d'actualité.
Susanne a été présidente de l'Atlantic Publishers Marketing Association et d'Enterprise Fredericton et a siégé aux conseils et aux comités exécutifs du Literary Press Group of Canada, du Conseil des ressources humaines du secteur culturel et de l'Association des éditeurs canadiens. Elle a également fait partie de jurys et de comités consultatifs pour le Conseil des arts du Canada, le ministère du Patrimoine canadien, ArtsNB et les gouvernements du Manitoba, de la Saskatchewan et du Nouveau-Brunswick.

Alex is a self-taught photographer and visual artist, with a diverse background in higher education as a university teacher and instructor. With a passion for landscape photography and long exposures, portraiture, and post- processing, Alex has honed his skills through years of practice and experimentation.
Alex's work explores the intersection of nature and humanity, using photography to capture the beauty and complexity of the natural world and the human experience. Through their images, they seek to inspire viewers to appreciate the beauty and fragility of our experienced environment and to consider the role that human perceptions play in shaping it.
In addition to their work as a photographer, Alex has also been involved in various roles within the arts community, including serving as an instructor, arts administrator, facilitator, and consultant. Alex has worked with organizations such as the Fluorish Festival, where they have helped to develop programs and initiatives that support emerging artists and promote the value of the arts in society.
His work has been exhibited in galleries and museums throughout Fredericton, including the Beaverbrook Art Gallery and The University of New Brunswick. He is a member of The NB Disability Arts Collective and New Brunswick Black Artists’ Alliance. When not behind the camera, Alex can be found hiking in the wilderness, exploring new places, or learning new skills and techniques using free and open source software.

Cinthia Arias Auz is an Ecuadorian artist and writer based in Kjipuktuk. Her writing has been published in Visual Arts News, Public Parking Publication, and Billie Magazine. She has exhibited her work in Canada and Ecuador in art spaces such as Otorongo – Laboratorio Creativo in Cuenca, Multinacional in Quito, the Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) in Guayaquil, The Blue Building Gallery, Khyber Centre for the Arts and MSVU Art Gallery in Kjipuktuk.
She was the Assistant Coordinator of NSCAD Lithography Workshop: Contemporary Edition in 2016 and took part in Eyelevel’s talk series Food For Thought, where she discussed culture, tradition, and home through ritual in 2017. She holds a BFA Interdisciplinary from NSCAD University.

Jacinte Armstrong is an Acadian artist based in K’jipuktuk/Halifax, NS. Her work explores embodied practice through performance, choreography, collaboration, and curation, communicating the experience of the body in relation to objects, materials, and people. Jacinte is Artistic Director and co-founder of SiNS (Sometimes in Nova Scotia) dance, Administrative and Artistic Producer at suddenlyLISTEN, and performs regularly with Mocean Dance. From 2014-18 she was Artistic Director of Kinetic Studio, presenting an annual season of contemporary dance workshops and performances in Nova Scotia. In 2020 she received her MFA in Performance from NSCAD University and is a Certified Laban Movement Analyst.
Under the Artistic Direction of Jacinte Armstrong, SiNS (Sometimes in Nova Scotia) Dance creates and presents contemporary performance works in Nova Scotia/Mi'kma'ki. A vehicle for choreography and collaboration, SiNS makes connections between artists and audiences in Atlantic Canada and beyond.

Arsenault obtained a bachelor’s degree in fine arts with concentrations in printmaking and photography from the University of Moncton in 2013. Her work manifests primarily as installations with elements of printed matter, video projections, and sound. She also juxtaposes printmaking, collage, and textile practices into two-dimensional works. Her practice questions the importance of biographical truthfulness in the conception of identity. Relying rather on myth, on parable, and on metaphor, she constructs biographical works that surpass the limits of chronological narration.
She has participated in many group exhibitions, such as Harbour (2019-2020) curated by Amy Ash at the Saint John Art Centre in Saint John, NB, and the Beaverbrook Art Gallery in Fredericton, NB, L’Évangeline en images (2016), a traveling exhibition from curator Jennifer Bélanger, as well as Somewheres (2014) from curator Pan Wentz at the Confederation Center of the Arts in Charlottetown, PEI.She has also exhibited her work in solo shows in New-Brunswick and Québec, as well as participated in many artist residencies across Canada (Artscape, Toronto Island, ON, Atelier Graff in Montréal, QC, La Manivelle, Pointe-à-l’église, NS, Centre Sagamie, Alma, QC )
Since its inauguration in 2018, Arsenault’s work is part of Image Rémanente; a permanent public art itinerary integrating 13 works of contemporary art in the City of Moncton.

Catherine Arseneault is an artist and cultural worker living and working on the traditional unceded territory of the Wəlastəkwiyik and Mi’kmaq Peoples (Moncton, NB). As a lens-based artist, she mainly works in silver print and analogue photographic techniques. Her creative process explores the intuitive nature of intrapersonal communication and internal dialogues. She holds a BFA from Université de Moncton. Her work has been shown in several group and solo exhibitions and she has taken part in creative residencies. Since 2018, she has been consistently involved in local cultural initiatives through her work as Galerie Sans Nom’s Director of Special Projects, and as board member of the Association of Artist-Run Centres from the Atlantic. In 2023, Catherine officially took the lead in founding F Stop Studio Inc.— a new artist-run public access darkroom opening soon in Moncton.

Maryse Arseneault has pursued a multidisciplinary practice since 2005. She creates interrelated works that explore, with poetry and sensitivity, questions that resonate with both the personal and the universal. These often-participatory works engage the viewer and call for critical contemplation. Her most recent work examines memory and emotion permeating objects and places, which she seeks to prompt through art.
Born in Moncton and living in Montreal, Arseneault completed a master’s degree in printmaking at Concordia University in 2015, after obtaining her Bachelor of Visual Arts from the Université de Moncton in 2006. Her work has been exhibited at venues including the Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen, Galerie Sans Nom, Connexion Artist-Run Centre for Contemporary Art, Eastern Edge Gallery, and Galerie du Nouvel-Ontario. Arseneault’s work has also been included in numerous group exhibitions and in festivals such as Third Shift, RE:FLUX, and 7a*11d.

Maryse Arseneault développe depuis 2005 une pratique artistique pluridisciplinaire. Elle propose des séries d’œuvres interreliées qui explorent, avec poésie et sensibilité, des questionnements aux résonances à la fois personnelles et universelles. Souvent participatives, les œuvres d’Arseneault interpellent le regardeur et sollicitent la contemplation critique. Ses recherches les plus récentes examinent la mémoire et les émotions qui imprègnent les objets et les lieux, qu’elle cherche à activer par l’entremise de l’art.
Née à Moncton et installée à Montréal, Arseneault a complété sa maîtrise en estampe à l’Université Concordia (2015) après son baccalauréat en arts visuels à l’Université de Moncton (2006). Elle a notamment exposé son travail à la Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen, à la Galerie Sans Nom, au centre d’artistes Connexion, à la galerie Eastern Edge et à la Galerie du Nouvel-Ontario. Arseneault a également participé à de nombreuses expositions de groupe ainsi qu’à des festivals tels que Third Shift, RE:FLUX et 7a*11d.

Amy Ash (she/they) is a queer interdisciplinary artist invested in collective care through processes of shared meaning-making.
Her practice flows from curatorial projects and writing to teaching, socially engaged action, and hands-on making. Across disciplines, they trace connectivity through intersections and overlaps between memory, learning, and wonder, to incite curiosity and kindle empathy. Often working collaboratively, she seeks to build connection by gently disrupting hierarchy to carve out space for a polyphony of personal meaning to be created within the context of a shared experience.
Amy has exhibited and curated programmes Internationally, with projects commissioned by the National Gallery London (UK), Platform Centre for Photographic and Digital Arts (Manitoba), and Third Space Gallery (New Brunswick). Amy is a member of the International Association of Art Critics and the editorial committee of Visual Arts News Magazine. They have fulfilled appointments as Learning Curator with Gerald Moore Gallery (London, UK) and The NB International Sculpture Symposium, as an Instructor at the New Brunswick College of Craft and Design, and, currently, as Editor of Billie Magazine and Associate Director of ArtsLink NB. Their work has been supported by artsnb, Art Council England, Canada Council for the Arts, and the Peter McKendrick Endowment Fund for Visual Artists, and shared in publications such as Cmag, Visual Arts News, and CreatedHere.
Of white settler ancestry, Amy lives in Menahqesk/Saint John, New Brunswick, which sits on unceded and unsurrendered lands that have been cared for by the Wolastoqiyik, Peskotomuhkati, and Mi’kmaq Peoples since the very beginning.

Barbra Wire is your fun Acadian aunt that knows all the granny crafts, but also knows how to party.

Barbra Wire est votre matante acadienne préféré qui connaît toutes les crafts de mémères but sais comment partier pareille.

Rémi Belliveau (them/they) is an Acadian interdisciplinary artist and musician hailing from Memramcook, New Brunswick, a village located in Mi’kma’ki, the traditional unceded territory of the Mi’kmaq people.
Their artistic work attempts to deconstruct and reprogram the foundations, structures and imaginaries of the Acadian culture to which they belong with an aim towards cultivating capacities of (auto)analysis and critical thinking.
Recently, they were twice in the running for the Sobey Art Award (Atlantic finalist in 2021, Atlantic long-list in 2024), laureate of the Claudine and Stephen Bronfman Prize (2022), Laureate of the Darling Foundry’s Ateliers Montréalais (2023-2026) and is currently finalist for the Prix en art actuel du Musée national des beaux-arts du Québec (2025).

Rémi Belliveau est un·e artiste et musicien·ne interdisciplinaire acadien·ne originaire de Belliveau-Village (vallée de Memramcook, Nouveau-Brunswick), un hameau acadien situé sur Mi’kma’ki, le territoire ancestral non cédé du peuple Mi’kmaq.
Son travail artistique s’attache à déconstruire et reprogrammer les fondements, les structures et les imaginaires de la culture acadienne à laquelle iel appartient dans le but de cultiver des capacités d’(auto)analyse et de sens critique.
Récemment, iel a été deux fois en lice au Prix Sobey pour les arts (finaliste Atlantique en 2021, liste préliminaire Atlantique en 2024), lauréat·e du Prix Claudine et Stephen Bronfman (2022), lauréat·e des Ateliers Montréalais de la Fonderie Darling (2023-2026) et finaliste au Prix en art actuel du Musée national des beaux-arts du Québec (2025).

Jared Betts is a painter who draws from the natural world, travel, and dreams to create unique pictorial worlds in hybrid, colourful compositions. His paintings are made using intuitive gestures and superimposed plans to give shape to nebulous ecosystems that make the visual world abstract, revealing its metaphysical dimension. Betts’ work immerses the viewer in a sensorial experience that draws on contrasts between surface and depth, the graphic line and the spread of the pigment.
Betts was born in Moncton and graduated from the Nova Scotia College of Art and Design in 2010. He has carried out artist residencies and exhibited his work in Costa Rica, Iceland, and Japan. His work can be found in several international private and public collections.

Jared Betts est un artiste peintre qui puise dans le monde naturel, le voyage et le rêve pour concevoir des univers picturaux singuliers aux compositions hybrides et colorées. Ses tableaux sont réalisés au gré de gestes intuitifs et de superpositions de plans donnant forme à des écosystèmes nébuleux qui font abstraction du monde visible pour en révéler plutôt une dimension métaphysique. Les œuvres de Betts immergent le regardeur dans une expérience sensorielle nourrie de contrastes entre la surface et la profondeur, et entre le trait graphique et l’étalement de pigments.
Originaire de Moncton, Betts est diplômé du Nova Scotia College of Art and Design (2010). Il a complété des résidences de création et exposé son travail au Costa Rica, en Islande et au Japon, entre autres. Ses œuvres sont intégrées à plusieurs collections publiques et privées à l’échelle internationale.

Emily Blair is a weaver and cultural worker based in unsurrendered and unceded traditional Wolastoqey land, known as Fredericton, New Brunswick. Blair’s work involves woven pattern design, textile based installations, and multi-media collaborations. Her artistic practice developed during her studies at NBCCD, where she received a diploma in Textile Design and in the Foundation of Visual Arts Program. Blair subsequently moved to Tiohtià:ke/Montréal and completed her BFA at Concordia University, Majoring in Fibre and Material Practices. During her time at Concordia, Blair worked closely with artist-run centers like Art Matters Festival and the VAV Gallery, organizing exhibition events throughout the city and was nominated as a fellow of the Milieux Institute of Art in the Textiles and Materiality Research Cluster. Now, she returns to New Brunswick as the Executive Director of Connexion Artist-Run Center.

Emily Blair est une tisserande et une travailleuse culturelle basée sur les terres traditionnelles Wolastoqey non cédées, connues sous le nom de Fredericton, au Nouveau-Brunswick. Le travail d'Emily comprend la conception de motifs tissés, des installations textiles et des collaborations multimédias. Sa pratique artistique s'est développée pendant ses études au Collège d'artisanat et de design du Nouveau-Brunswick, où elle a obtenu un diplôme en design textile et dans le cadre du programme de fondation des arts visuels. Blair a ensuite déménagé à Tiohtià:ke/Montréal et a obtenu son baccalauréat en beaux-arts à l'Université Concordia, avec une spécialisation en pratiques des fibres et des matériaux. Pendant ses études à Concordia, Blair a travaillé en étroite collaboration avec des centres d'artistes autogérés comme le Art Matters Festival et la VAV Gallery, organisant des événements d'exposition dans toute la ville, et elle a été nommée membre du Milieux Institute of Art, au Textiles and Materiality Research Cluster. Aujourd'hui, elle revient au Nouveau-Brunswick en tant que directrice générale de Connexion Artist-Run-Centre.

Trained as an architect, Mathieu Boucher Côté creates projects that are as much architectural in nature as they are a form of visual art. The relationship between humans and the environment is, however, at the heart of these two disciplines. Côté is concerned primarily with the evolution and architectural or artistic application of construction materials and techniques. Fundamentally interdisciplinary, his approach uses both computer-assisted and analogue methods alike, as well as the encounter between these production methods.
Mathieu Boucher Côté was born in Quebec City and holds a Masters in Architecture from Université Laval and a Master of Science degree on innovation in wood-frame construction. He has also taken courses in sculpture at Université Laval and at the Maison des métiers d’art in Quebec City.

Architecte de formation, Mathieu Boucher Côté réalise des projets de recherche-création qui relèvent autant du domaine des arts visuels que du domaine de l’architecture. La relation entre l’humain et l’environnement se retrouve toutefois au cœur de ces deux démarches. Ses réflexions se concentrent principalement sur l’évolution et l’application architecturale et artistique des matériaux et des techniques de construction. Fondamentalement interdisciplinaire, son approche privilégie tant la conception assistée par ordinateur que les méthodes analogues ainsi que la rencontre de ces procédés de fabrication.
Originaire de Québec, Mathieu Boucher Côté est titulaire d’une maîtrise en architecture de l’Université Laval ainsi que d’une maîtrise en sciences portant sur l’innovation dans la construction en bois. Il a également suivi des cours en sculpture à l’Université Laval et à la Maison des métiers d’art de Québec.

Jean-Denis Boudreau is a multidisciplinary artist who works primarily in installation and public intervention. A keen observer of the conventions that influence our behaviour in contemporary society, he focuses his attention on this behaviour to show where these conventions break down or are defective. To do this, he uses subversive strategies that employ playfulness and a hint of absurdity. Through constant experimentation, Boudreau strives to develop new modes of dissemination and interaction with the public in the hope of infiltrating everyday life, thereby making art more accessible to a greater number of people.
A finalist for the Sobey Art Award in 2007, Boudreau received his Bachelor of Visual Arts from the Université de Moncton in 2002. A native of Fredericton, his work has been exhibited at venues including the Khyber Gallery, Trap Door Gallery, Third Space Gallery, and Galerie Sans Nom. He has also taken part in events such as FICFA and the Symposium art/nature.

Jean-Denis Boudreau est un artiste pluridisciplinaire qui se consacre principalement à l’art de l’installation et de l’intervention dans la sphère publique. Fin observateur des conventions qui influent sur nos comportements dans la société contemporaine, il y focalise son attention afin d’en proposer des ruptures ou des décalages. Pour ce faire, il emploie des stratégies subversives, passant par l’espièglerie et un soupçon d’absurdité. Au gré de tentatives expérimentales constamment renouvelées, Boudreau s’applique à élaborer de nouveaux modes de diffusion et d’interaction avec le public en espérant infiltrer le quotidien et ainsi rendre l’art plus accessible au plus grand nombre.
Finaliste pour le Prix Sobey en 2007, Boudreau détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université de Moncton (2002). L’artiste natif de Fredericton a notamment exposé son travail à la Khyber Gallery, à la Trap Door Gallery, à la Third Space Gallery et à la Galerie Sans Nom. Il a par ailleurs participé à des événements tels que le FICFA et le Symposium d’art/nature.

Since 2011, Marjolaine Bourgeois’ artistic practice has merged textiles and printmaking. Bourgeois assembles images from how-to manuals, representing the manufactured, to interrogate the phenomena of overabundance and obsolescence – of images as well as objects. On the one hand, she takes a critical, humorous, and poetic look at the current omnipresence of consumption today. On the other, by experimenting and adapting traditional techniques, she creates unusual juxtapositions. By reinterpreting and redeploying these techniques, she modernizes a knowledge traditionally associated with women and sustains it.
Marjolaine Bourgeois was born in the Magdalen Islands and lives and works in Moncton. She completed her Bachelor of Visual Arts at the Université de Moncton in 1980. Her work is regularly exhibited in solo and group exhibitions, and she has also participated in several artist residencies in New Brunswick, Quebec, and abroad.

Depuis 2011, la pratique artistique de Marjolaine Bourgeois se manifeste par la rencontre des techniques du textile et de l’estampe. Bourgeois assemble des images issues de savoir-faire manuels, qui représentent le manufacturé, afin d’interroger les phénomènes de la surabondance et de l’obsolescence, tant des images que des objets. D’une part, elle pose un regard critique, humoristique et poétique sur l’omniprésence actuelle de la consommation. D’autre part, par l’expérimentation et l’adaptation de techniques traditionnelles, elle crée des rencontres inhabituelles. En interprétant et en réaffectant ces techniques, l’artiste actualise un savoir-faire traditionnellement associé aux femmes et participe à sa pérennité.
Originaire des Îles-de-la-Madeleine, Marjolaine Bourgeois habite et travaille à Moncton et détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université de Moncton (1980). Elle participe régulièrement à des expositions solos et de groupe ainsi qu’à des résidences de création au Nouveau-Brunswick, au Québec et sur la scène internationale.

Kathleen (Katie) Buckley is grant writer and funding consultant based in Saint John, New Brunswick. Since 2022, she has helped non-profit organizations and artists secure a total of over $2 million in grant funding.

Gina Brooks is a Wәlastәkwew storyteller and educator from Sitansisk and the founder of Caribou Club, a land-based recreation and treaty education facility. She resides in her traditional unceded homeland and is informed by Waponahki traditional knowledge in her artistic and educational practice. She is a former Schoodic Institute Artist in Residence and her work is featured in the core exhibit of the Abbe Museum, People of First Light. Gina sees art as an opportunity to learn and share about herself and her responsibilities through ancient stories, symbols, motifs, and language. In 2022, she was a featured speaker for Wettaqiaq Wksitqamuk Nkitahkomikumuwey, a virtual collaboration between Third Space Gallery, Eastern Circle, and Mawi'Art. In 2023, she was chosen by Theatre New Brunswick to participate in their innagural artist-led development initiative, Collaborative: Wabanakiyik Artists and TNB. In the summer of 2024, she will be a featured artist at the Dawnland Festival of Art and Ideas in Bar Harbor.

Gina Brooks est une conteuse et éducatrice Wәlastәkwew de Sitansisk et la fondatrice du Caribou, un espace récréatif et d'éducation sur les traités. Elle réside dans sa patrie traditionnelle non cédée et s'inspire des connaissances traditionnelles de Waponahki dans sa pratique artistique et éducative. Elle est une ancienne artiste en résidence du Schoodic Institute et ses œuvres sont présentées dans l'exposition principale du musée Abbe, People of First Light. Gina considère l'art comme une occasion d'apprendre et de partager sur elle-même et sur ses responsabilités à travers des histoires, des symboles, des motifs et un langage anciens. En 2022, elle a été l'une des conférencières vedettes de Wettaqiaq Wksitqamuk Nkitahkomikumuwey, une collaboration virtuelle entre Third Space Gallery, Eastern Circle et Mawi'Art. En 2023, elle a été choisie par Theatre New Brunswick pour participer à leur première initiative de développement dirigée par des artistes, Collaborative : Wabanakiyik Artists and TNB. À l'été 2024, elle sera l'une des artistes vedettes du Dawnland Festival of Art and Ideas à Bar Harbor.

Rachel Bryant studies colonial and settler colonial North American literary histories as a professor in the Department of Humanities and Languages at the University of New Brunswick (UNB) in Saint John. Her ancestors were New England Planters and Loyalists who came to the Waponahki homelands in the eighteenth century; their promises to live here in good relationship are the primary contexts of Rachel’s work, which focuses on non-Indigenous responsibilities under the laws of Peace and Friendship and on building capacity in postsecondary environments on both sides of that treaty relationship. Her writings have been published in numerous books and journals; her first book was short-listed for the Atlantic Book Award for Scholarly Writing and awarded the Writers’ Federation of New Brunswick Book Award for Non-Fiction. Her ongoing collaborations with Waponahki artists have featured in regional arts and academic symposia and in public and open-access venues such as the Journal of New Brunswick Studies.

Rachel Bryant étudie les histoires littéraires de l'Amérique du Nord coloniale et des colons en tant que professeure au département des sciences humaines et des langues de l'Université du Nouveau-Brunswick (UNB) à Saint-Jean. Ses ancêtres étaient des propriétaires de plantations de la Nouvelle-Angleterre et des loyalistes qui sont venus s'installer sur les terres des Waponahki au dix-huitième siècle; leurs promesses de vivre ici dans de bonnes relations sont les principaux contextes du travail de Rachel, qui se concentre sur les responsabilités des non-autochtones en vertu des lois de paix et d'amitié et sur le renforcement des capacités dans les environnements postsecondaires des deux côtés de cette relation de traité. Ses écrits ont été publiés dans de nombreux livres et revues ; son premier livre a été sélectionné pour l'Atlantic Book Award for Scholarly Writing et a reçu le prix du livre de la Writers' Federation of New Brunswick for Non-Fiction. Ses collaborations continues avec les artistes Waponahki ont été présentées lors de symposiums artistiques et universitaires régionaux, ainsi que dans des publications publiques et en libre accès telles que la Revue d'études sur le Nouveau-Brunswick.

Matt Carter is a musician and a writer based in Fredericton, New Brunswick. He founded and operates gridictymagazine.com which began in the fall of 2014 as a way to lend a much needed voice to Fredericton’s vibrant arts and culture communities. Having studied journalism at St. Thomas University and maintained active participation in the music scene, Matt has dedicated a decade to gridcitymagazine.com, providing listings for events, interviews with local artists, photo essays, videos, and more. His perspective on writing in the arts is from a grass-roots perspective with a soft spot for Indie performers of all stripes.
Matt is currently director of the Charlotte Street Arts Centre, having previously worked marketing and development for Theatre New Brunswick. He is a member of the Polaris Music Prize jury and was on the Grand Jury in 2018.

Matt Carter est un musicien et un écrivain établi à Fredericton, au Nouveau-Brunswick. Il a fondé et exploite gridictymagazine.com, qui a vu le jour à l'automne 2014 dans le but de donner une voix aux communautés artistiques et culturelles dynamiques de Fredericton, qui en avaient bien besoin. Après avoir étudié le journalisme à l'Université St. Thomas et participé activement à la scène musicale, Matt a consacré une décennie à gridcitymagazine.com, fournissant des listes d'événements, des entrevues avec des artistes locaux, des essais photographiques, des vidéos et plus encore. Son approche de la rédaction dans le domaine des arts est celle de la base, avec un faible pour les artistes indépendants de tous horizons.
Matt est actuellement directeur du Charlotte Street Arts Centre, après avoir travaillé en marketing et en développement pour le Theatre New Brunswick. Il est membre du jury du prix de musique Polaris et a fait partie du grand jury en 2018.

As an Associate Professor in the School of Disability Studies at Toronto Metropolitan University, Eliza Chandler leads a research program that animates disability arts and its connections to disability rights and justice. This research interest came into focus when, from 2014-16, she was the Artistic Director of Tangled Art + Disability, an organization in Toronto dedicated to showcasing disability arts and advancing accessible curatorial practice. Chandler teaches
in the areas of disability arts, critical access studies, social movements, and crip necropolitics and participates in a number of research projects in these areas, including co-directing the SSHRC-funded partnership project, Bodies in Translation: Activist Art, Technology, and Access to Life. Chandler regularly gives lectures on disability arts, accessible curatorial practices, and disability politics in Canada and she is a member of the Royal Society of Canada’s College of New Scholars.

Luc A. Charette is fascinated by visual mechanisms found in popular culture and cyber culture. His artistic practice encompasses several disciplines, such as sculptural installation, photographic montage, digital images, and painting. He combines a variety of techniques and visual codes to develop hybrid works that challenge our contemporary representation systems while, at the same time, addressing conceptual concerns such as time, language, and identity.
Charette completed his Bachelor of Visual Art at the Université de Moncton in 1978 and a master’s degree in fine arts at Université Laval in 2003. His work has been shown in numerous solo and group exhibitions at venues such as the New Brunswick Museum, the Beaverbrook Art Gallery, and the Confederation Centre of the Arts. He was a finalist for the Strathbutler Award in 2009 and has twice won an Éloizes award as Artist of the Year in visual arts (2004 and 2015).

Luc A. Charette est fasciné par les mécanismes visuels qui habitent la culture populaire et la cyberculture. Sa pratique traverse plusieurs disciplines telles que l’installation sculpturale, le montage photographique, l’image numérique et la peinture. Il condense diverses techniques et divers codes visuels pour élaborer des œuvres hybrides qui mettent à l’épreuve nos systèmes de représentation contemporains et qui touchent, par la même occasion, à des préoccupations d’ordre conceptuel telles que le temps, le langage et l’identité.
Charette est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et en éducation de l’Université de Moncton (1978) et d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université Laval (2003). Son travail a été présenté dans le cadre de nombreuses expositions individuelles et collectives, entre autres au Musée du Nouveau-Brunswick, à la Galerie d’art Beaverbrook et au Centre des arts de la Confédération. Il a été finaliste du Prix Strathbutler (2009) et a remporté le titre de l’Artiste de l’année en arts visuels aux prix Éloizes à deux reprises (2004 et 2015).

Ray Cronin is a New Brunswick and Nova Scotia-based writer and curator. Between 2001 and 2015 he worked at the Art Gallery of Nova Scotia as both curator and director. He is the founding curator of the Sobey Art Award. Cronin has written on visual arts for magazines and newspapers for over two decades. He is also the author of fourteen books on Canadian art, including Halifax Art & Artists and the ongoing Gaspereau Field Guides to Canadian artist series. He is Curator of Canadian Art at the Beaverbrook Art Gallery.

Ray Cronin est un écrivain et conservateur basé au Nouveau-Brunswick et en Nouvelle-Écosse. Entre 2001 et 2015, il a travaillé au Art Gallery of Nova Scotia en tant que conservateur et directeur. Il est le commissaire fondateur du Prix Sobey pour les arts. M. Cronin a rédigé des articles sur les arts visuels pour des magazines et des journaux pendant plus de deux décennies. Il est également l'auteur de quatorze livres sur l'art canadien, dont Halifax Art & Artists et la série Gaspereau Field Guide to Canadian Artists. Il est conservateur de l'art canadien à la Beaverbrook Art Gallery.

The 2022 winner of Music NB’s “Innovator of the Year” award, Martin Daigle is an interdisciplinary performer, composer, researcher, and producer from New Brunswick, Canada. Flourishing from creative foundations as a drummer and percussionist, his diverse work as a performer, composer and researcher pushes the boundaries between audio-visual and electro-acoustic art. Martin’s innovative approach to percussion music utilizes electronic devices; notably, ongoing research in the development of an “augmented drum kit,” which combines acoustic drum sounds, digital samples, and visual manipulations for a truly unique result.

Tommy Des Rosiers is a french Canadian actor and drag queen born in Quebec, Canada. He moved to New-Brunswick in 2014 to study drama.
He got his first role in Les Newbies season 1 (2018) and season 2 (2019). We can see him in different TV shows like the acadian TV special Le Grand Ménage des Fêtes 2022, Garde-Partagée (2023), En résidence (2023). He got his first role in the TV show Mont-Rouge (2023) where he played Dylan.
In 2019, he created his drag persona Rose Beef. Well known in the acadian community, Rose Beef hosted a few major events with Acadie Rock and we can also see Rose Beef in the TV special Le Grand Ménage des Fêtes 2023 and Le Bonheur (season 3).

Linda Rae Dornan's art practice is interdisciplinary and performative across media including video, performance, drawing, sound, installation and writing. Exploring the complex systems of language/communication through visuals, sound, body, performativity and embodied text are the formal materials about connection, place, memory and being. Attachment to the landscape of the Tantramar region and the Bay of Fundy, the desire to communicate across communities, with respect, and to explore language in its multiple forms repeatedly surface in the work. Research and experimentation have always been integral elements of her work process.

La pratique artistique de Linda Rae Dornan est interdisciplinaire et performative à travers des médias tels que la vidéo, la performance, le dessin, le son, l'installation et l’écriture. L'exploration des systèmes complexes du langage et de la communication par le biais de l'image, du son, du corps, de la performance et du texte incarné implique de s'engager dans les éléments formels de la connexion, du lieu, de la mémoire et de l'être. L'attachement au paysage de la région de Tantramar et de la baie de Fundy, le désir de communiquer entre les communautés, avec respect, et d'explorer le langage sous ses multiples formes font surface à plusieurs reprises dans le travail. La recherche et l'expérimentation ont toujours fait partie intégrante de son processus de travail.

Mario Doucette is an Acadian artist from Moncton, New Brunswick. He is a painter, but he also works with video, digital animation, performance and Super8 film. In 2004, after a residency in the French village of Brouage, he created Histoires , a series of works combining drawing and painting that reflects on the effects of colonialism.
He has been featured in many exhibitions in several Canadian museums and galleries, notably at Toronto’s Royal Ontario Museum where he was a Sobey Art Award finalist in 2008. He recently contributed work to the Oh Canada exhibition presented at MASS MoCA (USA), in the Galerie de l’UQAM (Montreal) exhibition The Painting Project and in the National Gallery of Canada (Ottawa) exhibition Shine a Light: Canadian Biennial 2014, and the virtual exhibition 1 50 Years | 150 Works: Canadian Art as Historical Act. His work can be found in the collections of the National Gallery of Canada, the Montreal Museum of Fine Arts, and the Art Gallery of Nova Scotia.
He is currently working on a new series of paintings, prints and sculptures called Harias.

De souche acadienne, Mario Doucette est un artiste de Moncton, au Nouveau-Brunswick. Il est peintre, mais travaille aussi dans les domaines de l'art vidéo, de l'animation numérique, de la performance et des films Super8. En 2004, à la suite d'une résidence d'artiste à Brouage, en France, il créa Histoires, une série de tableaux mêlant le dessin et la peinture et appelant à une réflexion sur les effets de la colonisation.
Il a participé à de nombreuses expositions dans plusieurs galeries et musées canadiennes, dont le Musée royal de l'Ontario à Toronto alors qu’il était finaliste pour le Prix Sobey en 2008. Il a récemment participé à l’exposition Oh Canada présentée au MASS MoCA (États-Unis), à l’exposition Projet Peinture présentée à la Galerie de l’UQAM (Montréal), à l’exposition Surgir de l’ombre : La biennale canadienne 2014 au Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa) et à l’exposition virtuelle 150 ans | 150 œuvres : l’art au Canada . Ses œuvres font partie des collections du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de Montréal et de l’Art Gallery of Nova Scotia.
Il travaille présentement sur une nouvelle série de peintures, d'estampes et de sculptures intitulée Harias.

Currently enrolled in a master’s program in art history at Université Laval, Michelle Drapeau is an emerging curator from Moncton and now based in Quebec City. She has worked as the assistant curator of contemporary art at the Musée des beaux-arts national du Québec and has prepared outreach materials for this same institution. She has been coordinator of the Symposium international d’art contemporain in Baie-Saint-Paul and teaching assistant in art history at Université Laval.
Alongside her mandate for Images rémanentes, she is the assistant curator for Manif d’art, the Quebec City art biennial, curator of all exhibitions in the Quebec City Library galleries, and project manager for the Maison de la littérature. She is involved in the artistic community as treasurer on the board of directors of the Foire en art actuel de Québec, as host of the weekly cultural radio program À l’est de vos empires, and as a jury member for various contemporary art awards, in addition to writing critical essays on art.

Candidate à la maîtrise en histoire de l’art à l’Université Laval, Michelle Drapeau est une commissaire de la relève originaire de Moncton et basée à Québec. Elle compte à son actif des expériences à titre de conservatrice adjointe de l’art actuel au Musée national des beaux-arts du Québec, de rédactrice de contenu pour la médiation dans cette même institution, de coordonnatrice du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul et d’auxiliaire d’enseignement en histoire de l’art à l’Université Laval.
Parallèlement à son mandat concernant Images rémanentes, elle est commissaire adjointe de Manif d’art, la biennale de Québec, commissaire des expositions du réseau des bibliothèques de Québec et chargée de projet pour la Maison de la littérature. Elle s’implique dans la communauté artistique à titre de trésorière au conseil d’administration de la Foire en art actuel de Québec, d’animatrice du magazine culturel hebdomadaire À l’est de vos empires et de membre de jurys pour divers prix en art actuel, en plus d’écrire des essais critiques sur l’art.

Born in the Acadian Peninsula in Eastern Canada, Marika Drolet-Ferguson has completed creative residencies and exhibited her work in Canada, Sweden, and Iceland. She was selected to install public artworks for the Lost Stories project in Tracadie, NB (Sheldrake, 2017) and for Images Rémanentes in Moncton, NB (Fogo, 2018). She has also participated in various events including the Moncton Art/Nature Symposium (2016) and the Fair of Alternative Art in Sudbury (2018). Her work has been supported by the Canada Council for the Arts and the New Brunswick Arts Board. She was a lecturer in photography at Université de Moncton from 2016 to 2018 and in drawing at the School of Architecture of Université Laval in 2018. Marika pursues her artistic research in combination with her practice in architecture.

Originaire de la Péninsule Acadienne à l'Est du Canada, Marika Drolet-Ferguson a complété des résidences de création et exposé son travail au Canada, en Suède et en Islande. Elle a été sélectionné pour réaliser des œuvres d'art public dans le cadre des projets
Histoires retrouvées
à Tracadie, NB (Sheldrake, 2017) et
Images Rémanentes
à Moncton, NB (Fogo, 2018). Elle a également participé à différents événements dont le Symposium d’art/nature de Moncton (2016) et la Foire d’art alternatif de Sudbury (2018). Son travail a été soutenu par le Conseil des arts du Canada et le Conseil des arts du Nouveau-Brunswick. De plus, elle a été chargée de cours en photographie à l'Université de Moncton de 2016 à 2018 et en dessin à l'École d'architecture de l'Université Laval en 2018. Marika partage son temps entre ses recherches en arts visuels et sa pratique en architecture.

Tara Francis is a Mi’kmaw Artist from Elsipogtog First Nation. Considered a Master Quillworker, she also creates silk scarves and paintings. She studied at the New Brunswick College of Craft and Design, where she has also taught the traditional Mi’kmaq style of porcupine quillwork. Tara brings a contemporary edge to her quillwork that has elevated her to international recognition. Her work can be found in public and private collections around the globe, including in the Beaverbrook Art Gallery and the Smithsonian-affiliated Abbe Museum; most recently, a commission from the Lieutenant Governor of New Brunswick was gifted to his majesty King Charles III. Tara is the Chair of Mawi’art: Wabanaki Arts Collective, an organization dedicated to advancing the artists and art styles of the Wabanaki homeland. She was featured in the APTN documentary series Wabanaakik and, more recently, as part of Wabanaki Modern and Shining A Light: Indigenous Art in Atlantic Canada. Tara continues to push the boundaries of traditional Indigenous art while staying true to her Mi’kmaq roots.

Tara Francis est une artiste mi'kmaq de la Première Nation d'Elsipogtog. Considérée comme une spécialiste d’ornementation en piquants de porc-épic (quillworker), elle crée également des écharpes en soie et des peintures. Elle a étudié au New Brunswick College of Craft and Design, où elle a également enseigné le style traditionnel mi'kmaq du piquant de porc-épic. Tara apporte une touche contemporaine à son travail d’ornementation en piquants de porc-épic, ce qui lui a valu une reconnaissance internationale. Ses œuvres figurent dans des collections publiques et privées du monde entier, notamment à la Beaverbrook Art Gallery et au Smithsonian Abbe Museum. Plus récemment, une commission du lieutenant-gouverneur du Nouveau-Brunswick a été offerte à Sa Majesté le roi Charles III. Tara est présidente de Mawi'art : Wabanaki Arts Collective, un organisme qui se consacre à la promotion des artistes et des styles artistiques de la patrie abénaquise. Elle a participé à la série documentaire Wabanaakik d'APTN et, plus récemment, aux expositions Wabanaki Modern et Shining A Light : Indigenous Art in Atlantic Canada (l'art autochtone au Canada atlantique). Tara continue de repousser les limites de l'art autochtone traditionnel tout en restant fidèle à ses racines mi'kmaq.

Hannah Guinan, Director at large, (any pronouns) is a queer sound performer and artist cheerleader. They were born and continue to live pretty close to here on Mi'kma'ki, and are white, agender, and an any pronoun-user. Over the past decade, she has toured Turtle Island, performing at many many, festivals, bars and art spaces, working across genres in collaborative music projects like Liz Brain, Old and Weird, Vulva Culture, and gBl00b-ies. They are currently performing locally as Fang Ass, and are really into creative commissioned projects, producing soundscapes and tracks for other artists to use in their performance, video, and animations. Hannah also enjoys supporting other artists administratively and is director of the Khyber Centre for the Arts.

Charles Harding is a sound artist residing in Fredericton, NB. He has over a decade of experience in music composition and facilitation, focusing on computer-based music creation. Harding completed formal training in electroacoustic composition at Concordia University in 2022, leading to his recent release, "Rain Beast" (June 2022, Patient Records), featuring soundscapes from New Brunswick and Montreal, highlighting human-nature relationships.
Harding has a robust production background, contributing to hundreds of events across eastern Canada. Notably, he coordinated SIGHT+SOUND 2022, a digital arts festival nominated for the Conseil des arts de Montréal’s 37th Grand Prix award. Harding is also a member of the electroacoustic composers collective, Trajectories, which released "Blood & Breath" in February 2023. Additionally, he performed a live soundscape set with Trajectories at Nuit blanche à Montrèal, which became the "Prisma" live EP/video. In fall 2023, Harding and fellow Trajectories collaborators will embark on a residency in Kökar, Finland, to explore coastal sounds.

Charles Harding est un artiste sonore résidant à Fredericton, au Nouveau-Brunswick. Il possède plus d'une décennie d'expérience en composition musicale et en facilitation, se concentrant sur la création de musique assistée par ordinateur. Il a suivi une formation en composition électroacoustique à l'Université Concordia en 2022, ce qui a mené à son récent album, Rain Beast (juin 2022, Patient Records), qui présente des paysages sonores du Nouveau-Brunswick et de Montréal mettant en valeur les relations entre l'humain et la nature.

Harding possède une solide expérience en production, ayant contribué à des centaines d'événements dans l'est du Canada. Il a notamment coordonné SIGHT+SOUND 2022, un festival d'arts numériques mis en nomination pour le 37e Grand Prix du Conseil des arts de Montréal. Harding est également membre du collectif de compositeurs électroacoustiques Trajectories, qui a publié Blood & Breath en février 2023. De plus, il a présenté un paysage sonore en direct avec Trajectories à la Nuit blanche à Montréal, qui est devenu le EP/vidéo en direct Prisma. À l'automne 2023, Harding et ses collègues de Trajectories s'embarqueront pour une résidence à Kökar, en Finlande, afin d'explorer les sons côtiers.

Ashley Hemmings is a visual artist and arts administrator based in St. John’s, Newfoundland. They completed their BFA in Visual Art at Memorial University of Newfoundland in 2018, and an MFA in Visual Art at the University of Windsor in 2021. Using play and humor as methodology, Ashley’s practice combines locally rooted craft processes with other media such as video, installation, writing, and collecting. Their practice considers craft in the contexts of environmental anxiety, community, and queerness. Ashley has worked at a number of art galleries and artist-run-centres, including The Grenfell Art Gallery, The Rooms Provincial Art Gallery, and INCUBATOR Art Lab. They are currently the Executive Director of Eastern Edge ARC, and the Lead Organizer of the NL Queer Craft Club.

For over fifty years, Thaddeus Holownia has approached his art form with a gentle but persistent nudge to be mindful of our imprint on the land. He is known for his long-term projects, transformed over periods, cycles, and seasons, in which he researches the natural processes of life and the inevitability of change. A keen observer of the environment, his work expresses a deep concern for nature. His reflections are poetic and subtle, meant to call our attention to how we are transformed by ideas, compromises, and ethics. He returns to a subject over years, even decades, and creates a photographic register of the transformation.
He is a Research Professor in the Pierre Lassonde School of Fine Arts at Mount Allison University, where he taught for over four decades and publishes finely crafted books under his imprint the Anchorage Press in Jolicure New Brunswick.

Depuis plus de cinquante ans, Thaddeus Holownia aborde sa forme d'art avec une incitation douce, mais persistante à prendre conscience de l'empreinte que nous laissons sur la terre. Il est connu pour ses projets à long terme, transformés au fil des périodes, des cycles et des saisons, dans lesquels il étudie les processus naturels de la vie et l'inévitabilité du changement. Observateur attentif de l'environnement, son travail exprime une profonde préoccupation pour la nature. Ses réflexions sont poétiques et subtiles, destinées à attirer notre attention sur la façon dont nous sommes transformés par les idées, les compromis et l'éthique. Il revient sur un sujet pendant des années, voire des décennies, et crée un registre photographique de la transformation.
Il est professeur de recherche à Pierre Lassonde School of Fine Arts de l'Université Mount Allison, où il a enseigné pendant plus de quarante ans. Il publie des livres de qualité sous sa propre marque, Anchorage Press, à Jolicure, au Nouveau-Brunswick.

Fazeela Jiwa (she/they) is a writer and an acquisitions and development editor with Fernwood Publishing, an independent publisher with radical politics.

Fazeela Jiwa (elle/iel) est écrivaine et éditrice chargée des acquisitions et du développement chez Fernwood Publishing, une maison d'édition indépendante à la politique radicale.

Ramneet Kalra is an award-winning multi-disciplinary artist who combines his passions for poetry and photography. Author of The Lazy Motivation and Here We Are Forever. For his work for new and emerging BIPOC artists, he was awarded JL Community Event Award in Fredericton, March 2024.
He uses his images to capture the essence of his surroundings. Ramneet also discovered his love for poetry and started integrating his writing into his photographic work.
Ramneet loves traveling, capturing images, and writing poems that reflect his experiences and perspectives. His photographs are characterized by their evocative use of light and color, and his poems often explore themes of nature, solitude, and the human condition.
Ramneet’s artwork has been shown in India, the USA, and Canada exhibitions. He has also served as Artist in Residence for Fredericton Arts Alliance in the summer of 2022 and 2023. Ramneet’s work has been displayed with the Connexions Arc at Charlotte Glencross Gallery, the UNB Art Center in Fredericton NB, and Pattes de mouche Gallery Cap pele.
Ramneet has written and read various poems. He was also interviewed for the CHSR Radio by Mark Kilfoil. He volunteered for CCNB (Conservation Council of New Brunswick) and Nature Canada for COP 15 where he taught poetry writing to people. With a keen eye for detail and a passion for storytelling, Ramneet has curated exhibitions that transcend boundaries, inviting audiences to explore the depths of human experience through the lens of creativity. Ramneet curated two shows for NB BIPOC artists called Outside Perspective in October and November of 2023 and he has more upcoming curations in June, September, and October 2024.With each exhibition, Ramneet invites you on a journey of discovery, whereevery artwork becomes a doorway to new perspectives and deeper understanding.

Ramneet Kalra est un artiste multidisciplinaire primé qui combine ses passions pour la poésie et la photographie. Il est l'auteur de The Lazy Motivation et Here We Are Forever. Pour son travail en faveur des artistes BIPOC nouveaux et émergents, il a reçu le prix de l'événement communautaire JL à Fredericton, en mars 2024.
Il utilise ses images pour capturer l'essence de son environnement. Ramneet a également découvert son amour pour la poésie et a commencé à intégrer ses écrits dans son travail photographique.
Ramneet aime voyager, capturer des images et rédiger des poèmes qui reflètent ses expériences et ses perspectives. Ses photographies se caractérisent par une utilisation évocatrice de la lumière et de la couleur, et ses poèmes explorent souvent les thèmes de la nature, de la solitude et de la condition humaine.
Les œuvres de Ramneet ont été exposées en Inde, aux États-Unis et au Canada. Il a également été artiste en résidence pour la Fredericton Arts Alliance au cours des étés 2022 et 2023. Les œuvres de Ramneet ont été exposées avec l'Arc Connexions à la Galerie Charlotte Glencross, au Centre d'art de l'UNB à Fredericton, au Nouveau-Brunswick, et à la Galerie Pattes de Mouche à Cap Pelé. Ramneet a rédigé et lu plusieurs poèmes. Il a également été interviewé par Mark Kilfoil pour la radio de la SCHR. Il a été bénévole pour le Conseil de conservation du Nouveau-Brunswick et Nature Canada pour COP 15 où il a enseigné la rédaction de poèmes. Avec un sens aigu du détail et une passion pour la narration, Ramneet a organisé des expositions qui transcendent les frontières, invitant le public à explorer les profondeurs de l'expérience humaine à travers la lentille de la créativité. Ramneet a organisé deux expositions pour les artistes BIPOC du NB appelées Outside Perspective en octobre et novembre 2023 et il a d'autres expositions à venir en juin, septembre et octobre 2024. Avec chaque exposition, Ramneet vous invite à un voyage de découverte, où chaque œuvre d'art devient une porte vers de nouvelles perspectives et une compréhension plus profonde.

Devin Krauskopf is a musician and music educator from Prince Edward Island. He is classically trained on guitar and plays a wide variety of styles, currently focusing on electric guitar composition and improvisation. Devin feels strongly that music should create a feeling of community and conversation, both with words and with sound, a way of getting what is inside out with little to no barrier. Music is a shared human experience that transcends boundaries like no other, the grease to the gears of a worthwhile life, the syrup of wahoo.

Devin Krauskopf est un musicien et un éducateur musical de l'Île-du-Prince-Édouard. Il a reçu une formation classique à la guitare et joue une grande variété de styles, se concentrant actuellement sur la composition et l'improvisation à la guitare électrique. Devin est convaincu que la musique doit créer un sentiment de communauté et de conversation, à la fois avec des mots et avec des sons, un moyen de faire sortir ce qui est à l'intérieur de soi avec peu ou pas d'obstacles. La musique est une expérience humaine partagée qui transcende les frontières comme aucune autre, la graisse des engrenages d'une vie qui en vaut la peine, le sirop du wahoo.

Monica lives in Charlottetown on unceded Mi’kmaq territory where, in addition to her studio practice, she teaches Kundalini Yoga and serves as director/curator for the Fitzroy St. Tiny Art Gallery, a miniature art space on her front lawn.

Monica Lacey est une artiste multidisciplinaire, une écrivaine et une conservatrice. Elle est motivée par la curiosité, le service et la recherche de la beauté sous toutes ses formes. Monica vit à Charlottetown sur un territoire mi'kmaq non cédé où, en plus de son studio, elle enseigne le yoga Kundalini et est directrice/curatrice de la Fitzroy Street Tiny Art Gallery, un espace d'art miniature situé sur sa pelouse.

Currently enrolled in a master’s program in art history at the Université du Québec à Montréal, Elise Anne LaPlante is an independent curator and cultural worker. She is particularly interested in the representation of women artists in art history and has conducted research into this topic in Acadie. She is also interested in archives, writing on art and alternative practices that exploit the nebulous areas between disciplines and reprogram the history of art for artistic purposes.
Elise Anne is actively involved in the arts community. Her activities include writing critical texts (Liaison, Astheure, and the exhibition catalogue for the Mario Doucette exhibition Harias); coordinating events (the RE:FLUX festival, the Symposium art/nature, the workshop “L’art visuel s’écrit”); teaching (sessional at the Université de Moncton); and by the exhibition projects she has curated: Dérouler l’archive: LASART (1982) revisité (2015, 2017), (RE)voir (2016), Tombées dans les interstices (2017, 2018) and Images rémanentes (2018).

Candidate à la maîtrise en histoire de l’art à l’Université du Québec à Montréal, Elise Anne LaPlante est commissaire indépendante et travailleuse culturelle. Elle s’intéresse particulièrement à la représentation des femmes artistes dans l’histoire de l’art et a notamment mené une recherche sur le sujet en Acadie. Elle s’intéresse également aux archives, à l’écriture sur l’art et aux pratiques alternatives qui exploitent les zones floues entre les disciplines et qui reprogramment l’histoire de l’art à des fins artistiques.
Elise Anne s’implique activement dans son milieu, entre autres par l’écriture de textes critiques (Liaison, Astheure, catalogue de l’exposition Harias de Mario Doucette), par la coordination d’événements (festival RE:FLUX, Symposium d’art/nature, atelier « L’art visuel s’écrit »), par l’enseignement (chargée de cours à l’Université de Moncton), ainsi que par ses projets d’expositions en tant que commissaire : Dérouler l’archive : LASART (1982) revisité (2015, 2017), (RE)voir (2016), Tombées dans les interstices (2017, 2018), Images rémanentes (2018).

Emilie Grace Lavoie is an artist, curator, and member of the 3E Collective, from Edmundston, New Brunswick, the territories of the Wəlastəkwewiyik, Mi'kmaq, and Peskotomuhkati people.
Lavoie holds a Diploma of College Studies in Fashion Design (2011) from LaSalle College, a Bachelor of Visual Arts from Université de Moncton (2016), and a Master of Fine Arts from Emily Carr University of Art and Design (2018).
Lavoie's work has been featured in various exhibitions in British Columbia, Alberta, Quebec, and New Brunswick. Her work is included in various private and public collections including the provincial art bank, collectionsArtNB, and the Beaverbrook Art Gallery.
In 2017, Lavoie received a silver medal at the VIIIth Games of La Francophonie in Abidjan (Ivory Coast) in the category Sculpture and Installation, representing Canada-New Brunswick.

Emilie Grace Lavoie est une artiste, commissaire et membre du Collectif 3E, originaire d'Edmundston au Nouveau-Brunswick, territoires des peuples Wəlastəkwewiyik, Mi'kmaq et Peskotomuhkati.
Lavoie détient un diplôme d'études collégiales en design de mode (2011) du Collège LaSalle, un baccalauréat en arts visuels de l’Université de Moncton (2016), ainsi qu’une maîtrise en beaux-arts d'Emily Carr University of Art and Design (2018).
Les œuvres de Lavoie ont fait l'objet de diverses expositions en Colombie-Britannique, en Alberta, au Québec et au Nouveau-Brunswick. Ses œuvres font partie de diverses collections privées et publiques, dont la banque d'art provinciale, collectionsArtNB, et le Musée des beaux-arts Beaverbrook.
En 2017, Lavoie a reçu la médaille d'argent aux VIIIe Jeux de la Francophonie d’ Abidjan (Côte d'Ivoire) dans la catégorie Sculpture et Installation, représentant le Canada-Nouveau-Brunswick.

Sharisse LeBrun (she/her) is a theatre educator, director, and performer based in New Brunswick. After attending the University of Toronto for her MA in theatre, Sharisse returned home where she is the Theatre New Brunswick’s Theatre School and Young Company Director. Sharisse is passionate about creating theatre for and with young people, and using theatre to remind adults of the wisdom of children and how to find their own inner child. Recent directing credits include: Beneath Springhill: The Maurice Ruddick Story, Sidewalk Chalk, S.T.O.P, Altar (TNB YOCO) and The Spongebob Musical, Romeo & Juliet, Rose, The Little Prince (TNB Theatre School).

Sharisse LeBrun est une enseignante en théâtre, une metteure en scène et une interprète établie au Nouveau-Brunswick. Après avoir obtenu une maîtrise en théâtre à l'Université de Toronto, Sharisse est retournée chez elle où elle est directrice de l'école de théâtre et de la jeune compagnie de Theatre New-Brunswick. Sharisse est passionnée par la création de théâtre pour et avec les jeunes et par l'utilisation du théâtre pour rappeler aux adultes la sagesse des enfants et la façon de trouver leur propre enfant intérieur. Parmi ses récentes mises en scène, mentionnons Beneath Springhill : The Maurice Ruddick Story, Sidewalk Chalk, S.T.O.P, Altar (TNB YOCO) et The SpongeBob Musical, Romeo & Juliet, Rose, The Little Prince (TNB Theatre School).

Mathieu Léger is a serial artist-in-residence. His nifty BA in English Literature and Fine Art from the Université de Moncton (Canada) has enhanced his life beyond expectation. Over the past fifteen years, he has participated in over 70 artist's residencies as well as exhibitions in far away places such as Canada, the Americas, and Europe. He is very involved within his artistic community in Moncton. His research investigates science/medicine, economics, architecture/design, semiotics/language, and geography/territories. He shares his time between far away places and Moncton, NB, Canada.

Mathieu Léger est artiste-en-résidence en série. Muni de son super ultra baccalauréat en littérature anglaise/arts plastiques de l’Université de Moncton (NB, Canada), il entreprend plus de 70 résidences d’artiste et plusieurs expositions aux Amériques et en Europe. Très actif dans sa communauté artistique à Moncton, Léger expose régulièrement. Léger s’intéresse actuellement à la vidéo/audio, la photographie, l’action/performance et l’installation/texte. Ses recherches pivotent autour des domaines de la science/médecine, l’économie, l’architecture/design, la sémiologie/langage et la géographie/territoire. Il travaille et vit à Moncton, N.-B., Canada et ailleurs, lors de résidences.

Jacinthe Loranger is a multidisciplinary visual artist based in Montreal, Canada. She holds a master’s degree in visual and media arts from Concordia University in Print Media.Her practice revolves around screen printing and is deployed in different forms such as installation, sculpture and collage. Her work was showcased in numerous exhibitions across Canada and abroad like in recent years I have presented several exhibitions in gallery, including at the invisible dog art center (NY), Art in the Open (Charlottetown PEI) and she also participated in the public art project Images rémanentes in the City of Moncton NB. In 2022, she will be part of shows in Douro Printmaking biennial, Louise-et-Reuben-Cohen (Moncton, NB) and at Maison des arts de Laval (Laval, QC).

Ma pratique s’articule autour de la sérigraphie et se déploie sous différentes formes telles l'installation, la fabrication d'objets et de collage. Mon parcours comporte plusieurs résidences d’artistes et de nombreuses expositions à travers le Canada Depuis les dernières années j’ai présenté plusieurs expositions en centres d’artistes dont à la Galerie B-312 (Montréal) 2017, chez Arprim (Montréal) 2017, Engramme (Québec) 2016 ainsi qu’au centre Bang à Chicoutimi 2019. J’ai participé également au projet d'art public Images rémanentes. Inaugurée en 2018, cette exposition permanente propose un parcours d’œuvres inédites dans la Ville de Moncton. J’ai complété une maîtrise en arts visuels à l’Université Concordia en Print Media, en 2017.

Cassandra is an Inuvialuit/Settler Saint John Artist who dabbles in multimedia textiles and canvas pieces. They are a Graduate from the Art Fundamentals Program at Georgian College c. 2015.
Previously working as a line-cook in multiple cities in Ontario, to which they developed a textile and texture appreciation, but after 11 years of experience - they decided to pursue a new venture of creation and self-reflection upon returning to Saint John.
Originally geared towards the Fine Arts and oil paintings, and participating in a few art shows in Guelph, they decided to switch up their styles after being gifted an embroidery kit while settling in Saint John in 2019, which has evolved into more than they had originally anticipated when it came to their creations.
This has led her into becoming the beadwork/ embroidery/ textile artist she is known for locally Today.
Every creation has deep meaning and she hopes that you find that as well. You may recognize her as a former Saint John city market vendor where she also served time as a Saint John Community Arts Grant recipient of the 2022/2023 season, as well as through their mural creations and participations during the Memorial Cup Celebrations, Their temporary mural installation for Truth and Reconciliation Day, or through various ChromaNB workshops and pop ups that has allowed them to explore their artistic abilities and Zen within Saint John.

Cassandra est une artiste Inuvialuit/coloniale de Saint-Jean qui s’adonne à la création de textiles multimédias et de toiles. Iel est diplômée du programme des fondements de l'art du Georgian College en 2015.
Auparavant, elle a travaillé comme cuisinière à la chaîne dans plusieurs villes de l'Ontario, où elle a appris à apprécier les textiles et les textures. Après 11 ans d’expérience, iel a décidé de se lancer dans une nouvelle aventure de création et d'autoréflexion à son retour à Saint-Jean.
D'abord orienté vers les beaux-arts et la peinture à l'huile, et participant à quelques expositions d'art à Guelph, iel a décidé de changer de style après avoir reçu un kit de broderie lors de son retour à Saint-Jean en 2019, ce qui a évolué vers plus que ce qu’iel avait prévu à l'origine en ce qui concerne leurs créations.
C'est ainsi qu'elle est devenue l'artiste de perlage, de broderie et de textile pour laquelle elle est aujourd'hui connue localement.
Chaque création a une signification profonde, et elle espère que vous la découvrirez également. Vous la reconnaîtrez peut-être comme une ancienne vendeuse du marché de la ville de Saint-Jean, où elle a également été récipiendaire d'une subvention des arts communautaires de Saint-Jean pour la saison 2022/2023, ainsi que par ses créations murales et leur participation aux célébrations de la Coupe Memorial. Leur installation murale temporaire pour la Journée nationale de la vérité et de la réconciliation, ou par le biais de divers ateliers et pop-ups de Chroma NB, qui lui ont permis d'explorer ses capacités artistiques et son zen au sein de la ville de Saint-Jean.

Kay Macdonald is an African Nova Scotian, Queer, Trans community facilitator, educator, artist, activist, facilitator and curator born and raised in Kjipuktuk, Mi’kma’ki. Kay has had integral roles in founding The Magic Project and The Game Changers - both initiatives centred around marginalised voices and experiences.
Currently, Kay is working as a Project Manager at The Youth Project. As well as developing a multi disciplinary piece of work entitled Unicorn with support from The Bus Stop Theatre’s Writers Circle.
Most recently, Kay has accepted the role as Co-Artistic Director at Kinetic Dance, as well as a role being on the Board for Halifax Pride.

(Photo credit: Matt Downey)

Bethany MacKenzie is an interdisciplinary artist and administrator in Bonavista, Newfoundland and Labrador. They graduated from Memorial University of Newfoundland and Labrador with a BFA in visual arts in 2021. Her studio practice involves drawing, printmaking and textiles to explore themes of memory, discomfort and identity in relation to queer visibility, learned perspectives and intrapersonal relationships. They have been working with Union House Arts (UHA) since 2021 and took on the position as Executive Director in 2022. She has since worked with the Bonavista Biennale as a Curatorial Advisory Member (2022-23) and has been on the Atlantis board of directors since 2022.

Cassandra has a passion for blending art, research, and youth work together to create impact. She is dedicated to amplifying youth voice through arts-based storytelling and understands the influence narratives can have on identity and community membership. She currently holds a dual role as both the Youth Engagement and Research Specialist at the Teen Resource Centre, and directs the Youth Pillar at the HOME-RL research lab. She leads multiple participatory action research initiatives that strengthen partnerships between organizations and creates interdisciplinary teams to translate research data into social action. On her spare time, Cassandra loves to immerse herself in nature and spend time traveling.

Cassandra est passionnée par le mélange de l'art, de la recherche et du travail avec les jeunes pour créer un impact. Elle se consacre à l'amplification de la voix des jeunes par le biais de la narration artistique et comprend l'influence que les récits peuvent avoir sur l'identité et l'appartenance à la communauté. Elle occupe actuellement la double fonction de spécialiste de l'engagement des jeunes et de la recherche au Teen Resource Centre, et dirige le pilier jeunesse du laboratoire de recherche HOME-RL. Elle dirige de multiples initiatives de recherche-action participative qui renforcent les partenariats entre les organismes et créent des équipes interdisciplinaires pour traduire les données de recherche en action sociale. Dans ses temps libres, Cassandra aime s'immerger dans la nature et passer du temps à voyager.

Deanna Musgrave is well-known for her work as an artist creating colourful mural-sized paintings across New Brunswick however, she is also devoted to researching connections between art and wellness. She completed her thesis titled “Connecting Crossmodal Interactions in Visual Music to Create ‘Mindful’ Experiences” as part of her Master of Interdisciplinary Studies (2019) at the University of New Brunswick. She also holds a Bachelor of Fine Arts (2005) from Mount Allison University and a Bachelor of Education (2018) from the University of New Brunswick. She is a graduate of the Counselling Skills Program (2024) from the Orca Institute in British Columbia and holds the title of Registered Therapeutic Counsellor (RTC) from the Association of Cooperative Counselling Therapists of Canada (ACCT). She is certified in Hypnotherapy and various forms of Somatic and Energy Work. Through her part-time position as artist-teacher of CollectionARTNB’s “VanGo!” program, she visits schools across the province to share the New Brunswick art collection and leads students in workshops focused on what she terms “Mindful Guided Art.

Deanna Musgrave est bien connue pour son travail de création de peintures colorées de taille murale à travers le Nouveau-Brunswick; cependant, elle se consacre également à la recherche de connexions entre l'art et le bien-être. Elle a terminé sa thèse intitulée Connecting Crossmodal Interactions in Visual Music to Create 'Mindful' Experiences dans le cadre de sa maîtrise en études interdisciplinaires (2019) à l'Université du Nouveau-Brunswick. Elle est également titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts (2005) de l'Université Mount Allison et d'un baccalauréat en éducation (2018) de l'Université du Nouveau-Brunswick. Elle est diplômée du programme de compétences en counseling (2024) de l'Orca Institute en Colombie-Britannique et détient le titre de conseillère thérapeutique agréée de l'Association des thérapeutes en counseling coopératif du Canada. Elle est certifiée en hypnothérapie et en diverses formes de travail somatique et énergétique. Dans le cadre de son poste à temps partiel d'artiste et d'enseignante du programme "VanGo !" de CollectionARTNB, elle se rend dans les écoles de la province pour présenter la collection d'œuvres d'art du Nouveau-Brunswick et anime des ateliers axés sur ce qu'elle appelle "l'art guidé en pleine conscience".

Christiana Myers is a curator, writer, educator, and artist, based in Menagoesg (Saint John, New Brunswick). Her practice is often driven by interdisciplinary curiosity and explores physical, environmental, or institutional systems. Her writing on disability and access, the role of museums in social change, and the intersection of art with climate justice have appeared in Canadian Art, C Magazine, and publications by the Owen's Art Gallery, Goose Lane Editions, and the Banff Centre for Arts and Creativity, among others.
She holds a BFA from Mount Allison University and a MLitt Curatorial Practice in Contemporary Art from the Glasgow School of Art. She is currently undertaking a PhD in Art History through the University of Glasgow where she is studying metaphorical representations of COVID-19 in contemporary artistic and curatorial practice.

Thushara Nambiar is a multifaceted artist whose talents span the realms of Indian Classical danc (Bharatanatyam), poetry, and visual arts. A dedicated mother and an inspiring creative force, Maya's work reflects a profound connection to personal experience, cultural heritage, and the complexities of the human spirit.
Born in Kannur, Kerala, India, Thushara was immersed in a rich cultural environment from a young age. Her early years were marked by a vibrant blend of music, dance, and storytelling, which laid the foundation for her artistic journey.
Her artistic philosophy is rooted in the belief that art is a powerful medium for healing, connection, and transformation. Her work often explores the intersections of personal and collective histories, aiming to create pieces that resonate on a deeply emotional level. As a mother, Thushara integrates her experiences of nurturing and raising her children into her art, infusing her creations with themes of love, growth, and the cycles of life.
Through her diverse body of work, Thushara Nambiar continues to touch hearts and minds, using her art to bridge gaps and build understanding. Her journey as a dancer, poet, artist, and mother is a testament to the power of creativity and the enduring strength of the human spirit.

CJ Norris is a multi-disciplinary performing artist, creator, arts educator, and event host.
Highlights from his acting career include playing Angel in RENT (Ghostlight; Dalhousie Theatre Society); Jinx in Forever Plaid (Hazy Grape); LeFou in Beauty and the Beast, and Scuttle in The Little Mermaid (Capitol Theatre).
After spending his early adult years working semi-professionally in musical theatre, CJ began exploring theatre-adjacent artforms like stand-up comedy and drag, and found his own voice as a writer. His mentors have included the nationally celebrated Nikki Payne and New Brunswick’s own Marshall Button. CJ is a graduate of ArtsLink NB’s CATAPULT Arts Accelerator Program, where he received valuable training in arts entrepreneurship.
He has combined these passions with his expertise in theatre to offer a unique brand of live entertainment, creating the acclaimed dragsicals “Jingle Bell of the Ball” and “Flyin’ Solo!” (Fan Favourite at the 2021 Fundy Fringe Festival). He has written and directed several pieces for the Capitol Theatre Academy - most notably their 2023 community production “À la recherche du Heart of the Arts”, a dramatic comedy inspired by the Capitol’s 100-year history. CJ is also the creator and host of Stages of Art, a talk show that highlights the lives and work of artists from all disciplines.
CJ loves coaching budding performers, as an instructor at the Capitol Theatre Academy. He is also a freelance workshop facilitator and event host.
CJ is all about blurring the lines between artforms, and expanding the possibilities of live entertainment. His motivation as an artist is to bridge societal gaps, and create a positive impact on society.

CJ Norris est un artiste multidisciplinaire, un créateur, un éducateur artistique et un organisateur d'événements.
Il a notamment joué Angel dans RENT (Ghostlight ; Dalhousie Theatre Society), Jinx dans Forever Plaid (Hazy Grape), LeFou dans Beauty and the Beast et Scuttle dans The Little Mermaid (Théâtre Capitol).
Après avoir passé ses premières années d'adulte à travailler de façon semi-professionnelle dans le domaine de la comédie musicale, CJ a commencé à explorer des formes d'art voisines du théâtre, comme la comédie stand-up et la drag, et a trouvé sa propre voix en tant qu'auteur. Il a eu pour mentors la célèbre Nikki Payne et le Néo-Brunswickois Marshall Button. CJ est diplômé du programme CATAPULT Arts Accelerator d'ArtsLink NB, où il a reçu une formation précieuse en entrepreneuriat artistique.
Il a combiné ces passions avec son expertise en théâtre pour offrir une marque unique de divertissement en direct, créant les dragsicals acclamés Jingle Bell of the Ball et Flyin' Solo! (favori des adeptes au Fundy Fringe Festival 2021). Il a rédigé et mis en scène plusieurs pièces pour l'Académie de théâtre du Capitol - notamment leur production communautaire de 2023 À la recherche du Heart of the Arts, une comédie dramatique inspirée par les 100 ans d'histoire du Capitol. CJ est également le créateur et l'animateur de Stages of Art, un talk-show qui met en lumière la vie et le travail d'artistes de toutes disciplines.
CJ adore encadrer les artistes en herbe en tant qu'instructeur à la Capitol Theatre Academy. Il est également animateur d'ateliers et animateur événementiel indépendant.
CJ s'efforce de brouiller les frontières entre les formes d'art et d'élargir les possibilités de divertissement en direct. Sa motivation en tant qu'artiste est de combler les lacunes sociétales et de créer un impact positif.

Simmi Obscura is an abstract, mixed media artist exploring her life through her art practice. She uses play, curiosity in a variety of textures in colours to create her unique works.
She has been practicing her craft over the past 10 years. She started with graphic design but quickly found her calling was more in a hands-on approach through painting, drawing, ceramics,murals, and mixed media.
These passions were refined over the years while working with a variety of festivals, mainly festival inspire and attending the foundation visual arts program from NBCCD and at the Saint John Arts Centre. Her work consists of pieces that spread from canvas to walls. With bold colours and big thoughtful energy, her work inspires play and curiosity. Her process of expression grows from her curiosity of wisdom, consciousness, in the human experience.

Simmi Obscura est une artiste abstraite aux techniques mixtes qui explore sa vie à travers sa pratique artistique. Elle utilise le jeu et la curiosité dans une variété de textures et de couleurs pour créer ses œuvres uniques. Elle pratique son art depuis une dizaine d'années. Elle a commencé par le graphisme, mais a rapidement découvert que sa vocation était plus dans une approche pratique à travers la peinture, le dessin, la céramique, les peintures murales et les techniques mixtes.
Ces passions se sont affinées au fil des ans en travaillant avec divers festivals, principalement le Festival Inspire, et en suivant le programme de base en arts visuels du New Brunswick College of Craft and Design et du Saint John Arts Centre. Son travail consiste en des pièces qui s'étendent de la toile jusqu'aux murs. Avec des couleurs audacieuses et une grande énergie réfléchie, son travail inspire le jeu et la curiosité. Son processus d'expression naît de sa curiosité pour la sagesse, la conscience et l'expérience humaine.

Possesom Paul is a prominent Wolastoqiyik Indigenous Artist known for their multifaceted contributions to the world of arts and culture. In collaboration with Igor Dobrovolskiy, Possesom co-directed the groundbreaking Wolastoqiyik Story Ballet titled "Pisuwin," from its initial conception to its captivating creation.
Currently serving as the Director of Indigenous Programming at Atlantic Ballet Atlantique, Possesom Paul has been a driving force in promoting Indigenous perspectives within the arts. Their extensive body of work spans performance, dance, acting, choreography, cultural curation,consulting, emceeing, and teaching.
They are the Founder and CEO of Double Curve Media, a full-service Indigenous Owned Media company based in Sitansisk, Saint Mary’s First Nation. Their business provides a wide array of media services including production, recording, live event support, and social media. They cover everything from videography and stage management to event planning, artist management, and more, ensuring every project is executed with excellence and cultural integrity.
Possesom Paul's dedication to preserving and sharing Wolastoqiyik Indigenous culture through the arts has made them a respected figure in the Indigenous artistic community and beyond. With their diverse talents and unwavering commitment, they continue to honour and showcase the cultural legacy of the Wolastoqiyik people and inspire a new generation of artists.

Possesom Paul est une artiste autochtone Wolastoqiyik de premier plan, connu pour ses contributions à multiples facettes au monde des arts et de la culture.
En collaboration avec Igor Dobrovolskiy, Possesom Paul a codirigé le révolutionnaire ballet narratif Wolastoqiyik intitulé Pisuwin, depuis sa conception initiale jusqu'à sa création captivante.
Actuellement à la direction des représentations autochtones à Ballet Atlantique, Possesom Paul a joué un rôle moteur dans la promotion des perspectives autochtones dans le domaine des arts. Son vaste travail englobe la performance, la danse, le jeu, la chorégraphie, la conservation culturelle, la consultation, l'animation et l'enseignement.
Iel est fondateur et PDG de Double Curve Media, une entreprise de médias autochtone à service complet basée à Sitansisk, dans la Première Nation de Saint Mary's. Son entreprise fournit un large éventail de services médiatiques, notamment la production, l'enregistrement, le soutien aux événements en direct et les médias sociaux. Iel touche à tous les domaines, de la vidéographie à la gestion de scène, en passant par la planification d'événements, la gestion d'artistes et plus encore, en veillant à ce que chaque projet soit exécuté avec excellence et intégrité culturelle.
Le dévouement de Possesom Paul à la préservation et au partage de la culture autochtone Wolastoqiyik par le biais des arts en a fait une figure respectée de la communauté artistique autochtone et au-delà. Grâce à la diversité de ses talents et à son engagement sans faille, iel continue d'honorer et de mettre en valeur l'héritage culturel du peuple Wolastoqiyik et d'inspirer une nouvelle génération d'artistes.

Shan Leigh Pomeroy (she/they) is a queer multidisciplinary artist and designer currently based out of St. John’s, Newfoundland. She holds a BFA with distinction in Studio Art & Art History from Concordia University and a diploma in Graphic Design from CNA for which she won the President’s Medal of Academic Excellence. Shan currently sits on the Eastern Edge ARC Board of Directors as Secretary, chairs the EE Main Gallery Committee, and also serves on the Fogfest Board. Shan is primarily an illustrator but also works in a variety of media, including painting, graphic design, stop-motion animation, electronic music, photography, and textiles. Their output deals with themes of identity, body politics, zeitgeisty stuff, folklore, and the human relationship to sickness, health, and space. Their creative interests incorporate archival imagery, gender, anatomy, geography, kitsch, dada, and the contrast between different media and stylistic tropes.
Shan has won several awards and grants and has contributed creative projects to exhibitions, screenings, markets, residencies, and publications across Canada, Italy, Germany, Hong Kong, Greece, Czechia, Spain, Portugal, and the US. Shan lives and works in downtown St. John’s with their partner and two cats, Bluey and Goon.

Shan Leigh Pomeroy est une artiste multidisciplinaire et designer queer qui vit actuellement à St. John's, Terre-Neuve. Iel est titulaire d'un baccalauréat en beaux-arts avec distinction en arts plastiques et en histoire de l'art de l'Université Concordia et d'un diplôme en design graphique du College of the North Atlantic, pour lequel elle a reçu la médaille d'excellence académique du président. Shan siège actuellement au conseil d'administration de l'ARC de l'Eastern Edge Gallery en tant que secrétaire, préside le comité de l'Eastern Edge Main Gallery et fait également partie du conseil d'administration de la Fogfest. Shan est avant tout illustratrice, mais elle travaille également dans une variété de médias, y compris la peinture, la conception graphique, l'animation en stop motion, la musique électronique, la photographie et les textiles. Sa production aborde les thèmes de l'identité, de la politique du corps, de l'esprit du temps, du folklore et de la relation humaine à la maladie, à la santé et à l'espace. Leurs intérêts créatifs intègrent l'imagerie d'archives, le genre, l'anatomie, la géographie, le kitsch, le dada et le contraste entre différents médias et tropes stylistiques.
Shan a remporté plusieurs prix et bourses et a contribué à des projets créatifs dans le cadre d'expositions, de projections, de marchés, de résidences et de publications au Canada, en Italie, en Allemagne, à Hong Kong, en Grèce, en Tchéquie, en Espagne, au Portugal et aux États-Unis. Shan vit et travaille au centre-ville de St. John's avec son partenaire et ses deux chats, Bluey et Goon.

Guillaume Adjutor Provost is an interdisciplinary artist, researcher and educator who experiments with forms of exhibition, collections, text, and curation. His artistic practice is motivated by a desire to update what has long existed on the periphery of dominant historical discourses: class consciousness, counter-culture, vernacular imagery, and experiences of queerness. Since 2010, his work has been the subject of more than twenty individual exhibitions and as many group exhibitions in Canada, the United States and Europe.

Dominik Robichaud est diplômée du Département des Arts visuels (Université de Moncton, 2008) et du Toronto Art Therapy Institute (DTATI, 2020). Elle a présenté plusieurs expositions solos notamment : Home Sweet Home (2008), Familier (2009), Rites, rythmes et rituels (2010), La vie est belle (2010), Langage corporel (Galerie d’art Beaverbrook, 2013), La quête du Bonheur (2014), Des abeilles et des oiseaux (2015), Relief (2017), Tracer son parcours/Drawing Pathways (2021) et Dialogue avec l'inconscient/Dialogue With The Unconscious (2022).
Récipiendaire de bourses de création (2009, 2015) du Conseil des Arts du Nouveau-Brunswick, ses œuvres se trouvent dans plusieurs collections privées et publiques ; La Banque d’œuvres d’arts du N.-B., La Galerie d’art Beaverbrook, La ville de Moncton, La ville de Fredericton, Le Centre des Arts et de la culture de Dieppe et le département des Art visuels de l’Université de Moncton.
Artiste peintre avant tout, Robichaud explore les notions d’autoreprésentation par le biais de recherches matérielles qui amalgament la peinture à d’autres médiums tels que le collage, le dessin, la céramique et l’installation.
En 2020, passionnée par les arts, elle devient une des quatre membres fondateurs du Cercle des Collectionneurs et Collectionneuses d'Art visuel du Grand Moncton. Entre 2017 et 2021, elle a oeuvré comme art-thérapeute avec nouveaux-arrivants et réfugiés. Depuis 2023, elle enseigne les arts visuels au secondaire, à Moncton.

Devon Ross is a multi-ethnic, multi-instrumentalist, composer, sound engineer, and dancer. Through experimentation, improvisation, synthesis, and movement he composes odes to loss,awakening, oblivion, redemption, and connection. Devon's music is for the body uniquely. Telling it that things are already moving, and it's time for it to move up, away, and on. Born in Winnipeg to an extremely lovely sports family, he came to music and dance late, but with a desire to win. Luckily, he also thinks that everybody should have fun. Currently, he is based in Prince Edward Island.

Devon Ross est un compositeur, ingénieur du son et danseur et multi-instrumentiste multiethnique. Par l'expérimentation, l'improvisation, la synthèse et le mouvement, il compose des odes au deuil, à l'éveil, à l'oubli, à la rédemption et à la connexion.
La musique de Devon s'adresse uniquement au corps. Elle lui dit que les choses sont déjà en mouvement et qu'il est temps pour lui de se lever, de s'éloigner et de continuer. Né à Winnipeg dans une très belle famille de sportifs, il est venu à la musique et à la danse sur le tard, mais avec le désir de gagner. Heureusement, il pense aussi que tout le monde devrait s'amuser. Il vit actuellement à l'Île-du-Prince-Édouard.

Performer, composer, producer, and educator Sarah Rossy is based in Tio'tia:ke/Montréal. Sarah combines influences of jazz, live-processed electronics, and visual projections into autobiographical, ethereal, and socially-outspoken soundscapes for a truly unique result. Having performed hundreds of live shows of original music in under a decade and being the first Canadian finalist of the Ella Fitzgerald International Voice Competition, Sarah Rossy is an ever-expanding curious artist.

Natasha Sacobie is a Wolastoqiyik visual artist based in Bilijk (Kingsclear First Nation). Her artistic practice blends traditional and contemporary mediums, beginning with oil painting and beading. She now specializes in birch bark and porcupine quillwork, known for its deep connection to nature, exploration of exoticism, and honoring all relatives. A graduate of the New Brunswick College of Craft and Design, Sacobie completed the Advanced Studio Practice program in 2023. Her work is featured in both public and private collections and has been exhibited at venues such as the Lieutenant Governor’s House, the George Fry Gallery, Saint John Arts Center, Boston Museum, Gallery on Queen, and most recently, Art Mur in Montreal QC. for The Biennale of Contemporary Indigenous Art (BACA), 7th edition. In 2023, Sacobie received the Heather Stone Emerging Artist Award at the Craft East Buyers Expo and an Equinox Grant.

Justin Toodeep is a hot, beefy and seasoned Drag King that has been entertaining audiences since 2009. New Brunswick's first full time drag entertainer, this bawdy King promises his eclectic mix of unapologetically queer entertainment will have you on the edge of your seat. Influenced by classic films such as the Birdcage and specifically Nathan Lane and Robin Williams this king loves to bring comedy and sass to his performances.
With humble beginnings from Saint John, this king set the standard for drag artist compensation in his home province. He helped to resurrect drag and bring it to bars, pubs and theatres throughout New Brunswick. Justin has also excelled in the Maritime provinces having earned titles in Halifax such as Mx of Pride 2019 and the Red Heel Awards - Entertainer of the Year 2020. Justin is an avid costume maker and has had garments and jewelry displayed in New Brunswick's provincial art gallery the Beaverbrook Art Gallery and has done drag in a variety of Arts Festivals including the Illuminate Arts Festival in Fredericton, NB.
While Justin has a name fit for a 18+ audience he is the founder of the Drag Storytime in New Brunswick, moonlighting as his flimsy alter-ego, Justin 2D. The drag storytime program at NB Public Libraries was started in Saint John by Justin and now is a provincially available program at all libraries. Including a set of rules surrounding these events that intended to protect drag performers and storytime attendees from harassment.

Justin Toodeep est un drag king sexy, costaud et aguerri qui divertit le public depuis 2009. Premier drag king à temps plein au Nouveau-Brunswick, ce roi paillard promet de vous tenir en haleine avec son mélange éclectique de divertissements résolument queer. Influencé par des films classiques comme The Birdcage et plus particulièrement par Nathan Lane et Robin Williams, ce roi adore apporter de la comédie et de l'audace à ses spectacles.
Avec des débuts modestes à Saint-Jean, ce roi a établi la norme pour la rémunération des artistes de la drague dans sa province natale. Il a contribué à ressusciter la drague et à l'amener dans les bars, les pubs et les théâtres de tout le Nouveau-Brunswick. Justin a également excellé dans les provinces maritimes, ayant obtenu à Halifax des titres tels que Mx of Pride 2019 et le Red Heel Awards Entertainer of the Year 2020. Justin est un costumier passionné et a exposé des vêtements et des bijoux à la Galerie d'art Beaverbrook du Nouveau-Brunswick. Il a également participé à divers festivals artistiques, dont le Illuminate Arts Festival à Fredericton, en tant que drag king.
Bien que le nom de Justin convienne à un public de plus de 18 ans, il est le fondateur du programme Drag Storytime au Nouveau-Brunswick, où il travaille en tant que son alter ego, Justin 2D. Le programme de l'heure du conte drag dans les bibliothèques publiques du N.-B a été lancé à Saint-Jean par Justin et est maintenant un programme provincial disponible dans toutes les bibliothèques. Le programme comprend un ensemble de règles entourant ces événements qui visent à protéger les artistes drags et les participants à l'heure du conte contre le harcèlement.

Starlit Simon is a multimedia Mi’kmaq artist from Elsipogtog First Nation and a full time PhD Candidate at the University of New Brunswick, where she studies the impact of land-based art practices on the health of Indigenous youth. Her porcupine quill artwork has been exhibited at the Saint John Arts Centre, the UNB Art Centre, the Andrew and Laura McCain Art Gallery, and Sunbury Shores. She is a two-time resident artist for Arts Link’s Cross Cultural Creation Residency program, and in 2022, she co-coordinated and hosted an online knowledge-sharing series titled Nkitahkomikumuwey/Wettaqiaq Wksitqamuk for Third Space Gallery in partnership with Eastern Circle and Mawi’Art. Starlit received her Bachelor of Arts in Sociology from UNB in 2006 and her Bachelor of Arts in Journalism from Saint Thomas University in 2012. She went on to receive her Master of Fine Arts in Creative Nonfiction from the University of Kings College in 2015. Her writings have been published in numerous books, magazines, and periodicals, including the National Geographic Traveler, Dawnland Voices, The Fiddlehead, Exploring the Human Story (Routledge, 2024), Facilitating Visual Socialities (Springer,2023), and more.

Starlit Simon est une artiste multimédia mi'kmaq de la Première Nation d'Elsipogtog et une candidate au doctorat à temps plein à l'Université du Nouveau-Brunswick, où elle étudie l'impact des pratiques artistiques basées sur le territoire sur la santé des jeunes autochtones. Ses œuvres en piquants de porc-épic ont été exposées au Saint John Arts Centre, au UNB Art Centre, à la Andrew and Laura McCain Art Gallery et à Sunbury Shores. Elle a été deux fois artiste résidente du programme de résidence de création interculturelle d'ArtsLink et, en 2022, elle a coordonné et animé une série de partage des connaissances en ligne intitulée Nkitahkomikumuwey/Wettaqiaq Wksitqamuk pour la Third Space Gallery, en partenariat avec Eastern Circle et Mawi'Art.
Starlit a obtenu un baccalauréat en sociologie à l'UNB en 2006 et un baccalauréat en journalisme à l'Université Saint Thomas en 2012. Elle a ensuite obtenu une maîtrise de beaux-arts en création littéraire de l'Université de Kings College en 2015. Ses écrits ont été publiés dans de nombreux livres, magazines et périodiques, dont le National Geographic Traveler, Dawnland Voices, The Fiddlehead, Exploring the Human Story (Routledge, 2024), Facilitating Visual Socialities (Springer, 2023), et plus encore.

Sue Sinclair was
inaugural critic-in-residence for CWILA (Canadian Women in the Literary Arts) and
is also a poetry editor for Brick Books and the editor of the
Fiddlehead.
She is additionally the author of six books of poetry, including most recently
Almost Beauty: New and Selected Poems
(Goose Lane Editions, 2022), which won the NB Poetry Award and was shortlisted for the Derek Walcott Poetry Prize. Sue holds a PhD in philosophy from the University of Toronto and teaches creative writing at the University of New Brunswick.

Sue Sinclair a été la première critique en résidence de CWILA (Canadian Women in the Literary Arts) et est également rédactrice de poésie pour Brick Books et rédactrice en chef de Fiddlehead. Elle est en outre l'auteure de six recueils de poésie, dont le plus récent est
Almost Beauty : New and Selected Poems
(Goose Lane Editions, 2022), qui a remporté le Prix de poésie du Nouveau-Brunswick et a été sélectionné pour le Prix de poésie Derek Walcott. Sue est titulaire d'un doctorat en philosophie de l'Université de Toronto et enseigne la création littéraire à l'Université du Nouveau-Brunswick.

Ravtej Singh is a documentary filmmaker and photographer whose work is renowned for its powerful storytelling and evocative visual narratives. With a keen eye for detail and a passion for capturing the human experience, Ravtej's work spans a diverse range of subjects, from social justice issues to the beauty of everyday life.
Ravtej's early fascination with cameras led to a lifelong pursuit of visual storytelling. Ravtej's caree rbegan with the critically acclaimed short documentary, Homelessness in Madrid, which explored the lives of homeless individuals in Madrid, Spain. As a photographer, Ravtej's work has been featured in various exhibitions across Fredericton and New Brunswick. His latest works were featured in the Provincial Archives of New Brunswick, Dreamscapes, which captures the strength and dignity of individuals and has received critical acclaim for its poignant and powerful imagery.
Ravtej's dedication to both craft and cause continues to drive a prolific and impactful career, making significant contributions to the fields of documentary filmmaking and photography.

Harriet Taylor (she/her) has had a long career in the arts as teacher, administrator and practitioner. Recently she has found purpose in channeling her creativity into advocacy for change and social action through art. Hailing from a background where humility and determination meet, she strives to draw viewers into a discourse about the struggles faced by many and works to create an avenue where emotions and societal disparities converge. “I feel honoured to be part of this community- engaged transdisciplinary journey. My experience in working on ‘Building Home’ has helped me to gain some understanding of these youth, invisible by their ability to manoeuvre through their environment while hiding their homelessness. In this instance the transformative power of art for social action unveils the unspoken challenges of homeless youth, giving them visibility and opportunities to rewrite their own narratives and build their way home.”

Harriet Taylor a eu une longue carrière dans les arts en tant qu'enseignante, administratrice et praticienne. Récemment, elle a trouvé un but en canalisant sa créativité dans le plaidoyer pour le changement et l'action sociale par le biais de l'art. Issue d'un milieu où l'humilité et la détermination se rencontrent, elle s'efforce d'entraîner les gens dans un discours sur les luttes auxquelles sont confrontées de nombreuses personnes et travaille à créer un espace où convergent les émotions et les disparités sociétales. "Je me sens honorée de faire partie de ce parcours communautaire transdisciplinaire. L'expérience que j'ai acquise en travaillant sur le projet "Building Home" m'a permis de mieux comprendre ces jeunes, invisibles par leur capacité à se débrouiller dans leur environnement tout en cachant leur situation en tant que sans-abri. Dans ce cas, le pouvoir de transformation de l'art pour l'action sociale dévoile les défis inexprimés des jeunes sans-abri, leur donnant une visibilité et des possibilités de réécrire leurs propres récits et de construire leur chemin vers un chez soi. "

Lisa Theriault (she/her) is a visual artist and arts administrator based in Brookfield, Prince Edward Island. She graduated with a BFA in studio art from Mount Allison University. In her art practice she primarily works in drawing, meticulously creating detailed landscapes that are imaginative, playful, and architectural. She is passionate about arts advocacy and has nearly a decade of experience working in the non-profit arts sector, most notably at the Independent Media Arts Alliance, the Owens Art Gallery, and the Confederation Centre Art Gallery. She has been the Executive Director of TTIS and a Board Member of Atlantis since 2020.

Holly Timpener, M.A., is a queer, non-binary performance artist working in-depth withthemes of queer resistance and transformation. They use performance to challenge and understand their place in this world while investigating how gender-diverse people and communities are connected. Performance allows them to confront issues related to gender, intimacy, trauma, and the body by engaging themes of trust, power, control, and resistance.Balancing their personal experience, knowledge, and memories with insight gained through gender-diverse community research, Timpener embodies “The Personal Is Political” in a modern sociopolitical context. They believe it is within the embodiment of affectual transformation that resistance is created through performative action.
Timpener has held several international residencies and worked with multiple festivals,including Month of Performance Art - Berlin (2013), Nuit Blanche - Calgary (2014), and Nuit Blanche - Toronto (2015). Their work has been featured at The Art Gallery of Ontario (Toronto,ON, 2014/2016) and Espacio Centro Gallery (Oaxaca, Mexico, 2015). They have been honored to have worked several times with La Pocha Nosta at Montreal Arts Interculturels (2017), at the Paseo Festival (2019), and at Encuentro in Mexico City (2019).
They have performed at RIPPA Montreal (2018), the Rhubarb Festival (2018), the Venice International Performance Art Week (2020), and the Drip Performance Festival in Liverpool, UK (2020). They have also worked with FADO (2021) and the Lots of Love Festival (2021),presented work at the Leonard & Bina Ellen Art Gallery (2022), and at La Centrale Galerie Powerhouse (2022). They also performed at A Score of Score (2023) and Third Shift in Saint John (2023).
In the last few years, Timpener has been the artist in resident for the B#Side the River Festival in Italy (2022), at Studio 303 (2023), at DOMIE in Poznan, Poland (2023), Pandora Underground Gallery in Berlin, Germany (2023) and at Casa Museo in Mexico City (2024).They began this year by showing a work at the Mexico Art Week entitled Casa Viva.

Holly Timpener, M.A., est une artiste de performance queer et non binaire qui travaille en profondeur sur les thèmes de la résistance et de la transformation queer. Iel utilise la performance pour remettre en question et comprendre sa place dans ce monde tout en enquêtant sur la façon dont les personnes et les communautés diversifiées sur le plan du genre sont connectées. La performance leur permet d'affronter les questions liées au genre, à l'intimité, au traumatisme et au corps en engageant les thèmes de la confiance, du pouvoir, du contrôle et de la résistance.
En équilibrant son expérience personnelle, ses connaissances et ses souvenirs avec les connaissances acquises grâce à la recherche communautaire sur la diversité des genres, Timpener incarne "The Personal is Political" (le personnel est politique) dans un contexte sociopolitique moderne. Iel croit que c'est dans l'incarnation de la transformation effective que la résistance est créée par l'action performative.
Timpener a effectué plusieurs résidences internationales et a travaillé avec de multiples festivals, notamment Month of Performance Art - Berlin (2013), Nuit Blanche - Calgary (2014) et Nuit Blanche - Toronto (2015). Leur travail a été présenté au Musée des beaux-arts de l'Ontario (Toronto, ON, 2014/2016) et à la galerie Espacio Centro (Oaxaca, Mexique, 2015). Iel a eu l'honneur de travailler plusieurs fois avec La Pocha Nosta à Montréal, arts interculturels (2017), au festival Paseo (2019) et à Encuentro à Mexico (2019).
Iel s’est produite à RIPPA Montréal (2018), au Rhubarb Festival (2018), à la Venice International Performance Art Week (2020) et au Drip Performance Festival à Liverpool, au Royaume-Uni (2020). Iel a également travaillé avec FADO (2021) et le Lots of Love Festival (2021), présenté des œuvres à la Leonard &amp ; Bina Ellen Art Gallery (2022), et à La Centrale Galerie Powerhouse (2022). Ils se sont également produits à A Score of Score (2023) et à Third Shift à Saint-Jean (2023).
Ces dernières années, Timpener a été l'artiste en résidence du festival B#Side the River en Italie (2022), au Studio 303 (2023), à DOMIE à Poznan, en Pologne (2023), à la Pandora Underground Gallery à Berlin, en Allemagne (2023) et à la Casa Museo à Mexico (2024). Iel a commencé cette année en montrant une œuvre à la Semaine d'art de Mexico intitulée Casa Viva.

Ysabelle Vautour is the founder of the NBDisability Art Collective and a graduate of Artslink’s Catapult Arts Accelerator Program. She began painting in 2019, she was invited to speak at Artslink`s Short and Sweet Speaker Series.
Her art was featured in CBC, Acadie Nouvelle, Art Battle, Dieppe Cultural Center, Fredericton Public Library, Art Kitchen, Grid City Magazine. and was also selected for a juried exhibition at the Nails on the Wall Gallery in Metuchen, New Jersey.
In 2021 Ysabelle had two solo exhibitions at Corrid'art Gallery in Shediac and at the Penny Gallery in Fredericton; she was awarded an artsnb creation and career development grant. The visually impaired artist collaborated with Theatre New Brunswick and the JRG Art Society for the Arts on Atlantic Canada's first Disability Arts Symposium. She served as the artist residence at the Fredericton Arts alliance and Connexion ARC.
She was also featured in Akimbo, Global News, CTV, Disability Without Poverty National Roundup, AMI’s Kelly and Company, Third Space Gallery Podcast, Provincial Archives as well as the Outsiders and Others Gallery in Vancouver.
In 2022 check out Ysabelle’s third solo exhibition at the Leon Leger Gallery and in the new documentary 100% Passion.

Fredericton's own silky queen, a professional hairstylist and drag comedian.

Sally Wolchyn-Raab (she/they) is a queer, chronically-ill visual artist, writer and arts administrator living and working in Kjipuktuk (Halifax, NS). She works as one of the Artistic co-Directors of Eyelevel Artist-Run Centre, and graduated in 2023 with an MFA in visual art from Memorial University of Newfoundland. They have worked in artist-run centres for the past 12 years in leadership roles, most notably as the Operations Director at Centre for Art Tapes, the Director of The Bowes (formerly Untitled Art Society) and as one of the founders of Pith Gallery and Studios. They have served on boards and advisory committees, and provided independent visioning and strategic planning consultation for artist-run centres and nonprofits across Canada for the past decade. Her art practice examines food, body politics and liberation through a fat, Jewish, queer lens.

Kelli is an interpretive dancer who explores the art of storytelling and expression through improvised and choreographed movements. For over 10 years, she facilitated Meditation In MOVEment workshops, inviting others to enjoy barefoot dancing, expression of self, and the empowerment of body awareness. She has collaborated with talented musicians, dancing bodies, poets, and exhibit photographers. Finding inspiration in nature and surroundings, Kelli enjoys the creative process of layering movements with motion, exploring subtleties of the body’s natural rhythms and limitations. She is grateful for opportunities to create, share and develop the artistry.

Kelli est une danseuse interprète qui explore l'art de raconter des histoires et de s'exprimer à travers des mouvements improvisés et chorégraphiés. Pendant plus de dix ans, elle a animé des ateliers de méditation en mouvement, invitant les autres à apprécier la danse pieds nus, l'expression de soi et la prise de conscience de son corps. Elle a collaboré avec des musiciens talentueux, des corps dansants, des poètes et des photographes d'exposition. Trouvant son inspiration dans la nature et l'environnement, Kelli aime le processus créatif qui consiste à superposer les mouvements, à explorer les subtilités des rythmes et des limites naturelles du corps. Elle est reconnaissante des occasions qui lui sont offertes de créer, de partager et de développer son art.

ARTISTS & PRESENTERS 2024

Maddie Alexander (they/he)

Maddie Alexander (iel/il)

Susanne Alexander (she/her)

Susanne Alexander (elle)

Alex Ani (he/him)

Alex Ani (il)

Cinthia Arias Auz (she/her)

Cinthia Arias Auz (elle)

Jacinte Armstrong (she/her)

Jacinte Armstrong (elle)

Alisa Arsenault (she/they)

Alisa Arsenault (elle/iel)

Catherine Arseneault (she/her)

Catherine Arseneault (elle)

Maryse Arseneault (she/her)

Maryse Arseneault (elle)

Amy Ash (she/they)

Amy Ash (elle/iel)

Annabelle Babineau (Barb Wire) (she/her)

Annabelle Babineau (Barb Wire) (elle)

Rémi Belliveau (he/they)

Rémi Belliveau (il/iel)

Jared Betts (he/him)

Jared Betts (il)

Emily Blair (she/her)

Emily Blair (elle)

Mathieu Boucher Côté (he/him)

Mathieu Boucher Côté (il)

Jean-Denis Boudreau (he/him)

Jean-Denis Boudreau (il)

Marjolaine Bourgeois (she/her)

Marjolaine Bourgeois (elle)

Kathleen Buckley (she/her)

Kathleen Buckley (elle)

Gina Brooks (she/her)

Gina Brooks (elle)

Rachel Bryant (she/her)

Rachel Bryant (elle)

Matt Carter (he/him)

Matt Carter (il)

Eliza Chandler (she/her)

Eliza Chandler (elle)

Luc Charette (he/him)

Luc Charette (il)

Ray Cronin (he/him)

Ray Cronin (il)

Martin Daigle (he/him)

Martin Daigle (il)

Tommy Des Rosiers (Rose Beef) (he/she)

Tommy Des Rosiers (Rose Beef) (il/elle)

Linda Rae Dornan (she/her)

Linda Rae Dornan (elle)

Mario Doucette (he/him)

Mario Doucette (il)

Michelle Drapeau (she/her)

Michelle Drapeau (elle)

Marika Drolet-Ferguson (she/her)

Marika Drolet-Ferguson (elle)

Tara Francis (she/her)

Tara Francis (elle)

Hannah Guinan (she/he/they)

Hannah Guinan (elle/il/iel)

Charles Harding (he/him)

Charles Harding (il)

Ashley Hemmings (they/them)

Ashley Hemmings (iel)

Thaddeus Holownia (he/him)

Thaddeus Holownia (il)

Fazeela Jiwa (she/they)

Fazeela Jiwa (elle/iel)

Ramneet Kalra (he/him)

Ramneet Kalra (il)

Devin Krauskopf (he/him)

Devin Krauskopf (il)

Monica Lacey (she/her)

Monica Lacey (elle)

Elise Anne LaPlante (she/her)

Elise Anne LaPlante (elle)

Emilie Grace Lavoie (she/her)